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Pájaros de verano. Cuándo abandonamos nuestra identidad.

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Sinópsis:

Cuando a finales de los sesenta del siglo pasado los jóvenes estadounidenses adopten la cultura hippie abrazarán con ella las drogas. Al buscar la marihuana allí dónde estén, los agricultores locales pasarán a convertirse en "empresarios". Este enriquecimiento acelerado tendrá un efecto devastador sobre las sociedades tradicionales.

Crítica:

Ciro Guerra ya es un habitual de San Sebastián. En 2003 su trabajo La sombra del caminante ganó el premio Films in Progress y su película El abrazo de la serpiente fue nominada al premio Horizontes latinos en 2015. Tampoco es ajeno a los reconocimientos públicos con premiso en cannes o Sundance, y con Pájaros de verano como representante de Colombia en los Oscar.

Nos encontramos ante una historia en los albores del narcotráfico colombiano. Es una historia basada en la "bonanza marimbera", cuando los indios wayú o guajiros se enriquecieron con el cultivo de marihuana a la vez que sufrían una gran convulsión en su sociedad. Al pasar la bonanza la sociedad wayú no tenía respuesta ante los problemas con los que se quedaba.


Raphayet vive del tráfico de café y licor y quiere casarse con Zaida.  Ursula, madre de Zaida y matriarca del clan no simpatiza con la petición y propone una elevada dote. Raphayet tiene a un socio, Moisés, un alijuna, un no wayú. Junto se iniciarán en el tráfico de marihuana para conseguir la dote. Aunque logra casarse con Zaida, Raphayet sigue en el negocio y prospera a la vez que en el proceso se va alejando de las costumbres y tradiciones wayú. Moisés queda fuera de control por la codicia. Posteriormente Leónidas, hijo de Úrsula, seguirá el mismo camino. Las tradiciones, ritos y formas dejan de respetarse entre los miembros y clanes de los wayú. La situación se torna inestable y poco a poco se va a generar una espiral de violencia que provocará a un baño de sangre y para muchos la pérdida de la identidad y la pertenencia a un grupo.


Los directores no se centran en la faceta del narcotráfico, sino en las comunidades indígenas y cómo se ven afectadas por su interacción con el mundo occidental. Es un fenómeno que muchas pueblos han sufrido a lo largo de la historia al encontrarse con otros grupos y culturas más pujantes. Pero en este caso el contraste es extremo. En un lado tenemos una cultura capitalista, que valora el poder del dinero y de la propiedad y donde el intercambio se produce por el valor equivalente de los bienes, una economía monetaria.  En el otro lado está una cultura basada en las tradiciones, los sistemas jerárquicos y el respeto a determinadas figuras tradicionales, una sociedad agrícola al límite de la economía de trueque. Raphayet ya apenas es un wayu pero su villa está en medio del desierto, sigue teniendo los sueños premonitorios, recurre al "palabrero" y al consejo de la matriarca y duerme en una hamaca con Zaida, a pesar de tener una enorme cama en la habitación. La película también busca la ocasión de mostrarnos la belleza de algunas tradiciones wayú, de sus tejidos coloridos. Y entre las costumbres relevantes nos presenta la figura del "palabrero", un mensajero que resuelve los conflictos a través de la mediación. Éste es un personaje secundario pero está siempre presente y resulta fundamental en el desarrollo de la narración.

Las aves tienen un simbolismo específico para los wayú, y están muy presentes en muchas escenas, como augurios de lo que ha de venir. Son unos extras muy presentes durante toda la narración. Los paisajes también son extras a su modo, extensos y  menudo áridos, como de western. Ello contribuye a generar dos sensaciones, una de integración de los indígenas con la naturaleza y otra de pequeñez del hombre frente a ésta.


Nos encontramos ante el choque de una cultura tradicional con sus esquemas y valores y cómo sus miembros los abandonan por la riqueza y los bienes materiales, a veces obtenidos de modo ilícito. Cuando estos "ex indígenas" se encuentran ante problemas morales y crisis, su antiguo esquema ya no les ayuda al haberlo abandonado, pero tampoco el actual que no han terminado de incorporar. Una película bella que merece la pena ver.

Ficha técnico-artística:

  • Director: Cristina Gallego y Ciro Guerra
  • Guión: Ciro Guerra
  • Intérpretes: Natalia Reyes, Carmiña Martínez, José Acosta, John Narváez, José Vicente
  • País: Colombia
  • Duración: 125 minutos
  • Música: Leonardo Heiblum
  • Fotografía: Maria Camila Arias

Trailer:


19 Premio Sebastiane para Girl, de Lukas Dhont

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En el marco del 66 Festival de Cine de San Sebastián, la asociación Gehitu entregó el 19 premio Sebastiane a la película Girl, que participaba en la sección Perlak. El evento tuvo lugar en la Galería Kur, como viene siendo tradicional. El premio fue entregado por el director Fernando Franco y recogido por el fotógrafo donostiarra Pedro Usabiaga. En la entrega estuvieron presentes Kristina Zorita, periodista de ETB, José Luis Rebordinos, director del Festival de Cine de San Sebastián, y por parte del ayuntamiento donostiarra estuvieron presentes el alcalde, Eneko Goia, y el concejal de cultura, Jon Insausti.


Con este trabajo, el director belga Lukas Dhont ganó en Cannes del premio Golden Camera y el premiso FIPRESCI dentro de la sección Un Certain Regard. Su película trata sobre Lara, una chica trans de 15 años que sueña con convertirse en bailarina. El jurado indicaba que otorgaba el premio a Girl“por mostrar una historia de reasignación de sexo adolescente, porque incluso cuando parece que todo rema a favor, el cambio es igual de dramático, porque los menores tienen identidad y en la película se nos deja claro que el proceso debe empezar no en la adolescencia sino en la infancia (para ser bailarina hay que hacer puntas desde niña), porque el director y su equipo, empezando por Victor Polster, sacan toda la potencia que el lenguaje fílmico da para contar una historia, en este caso trans”

Además de este premio hay que señalar que durante la inauguración de la sección Horizontes Latinos se entregó el premio a la película Las Herederas, de Marcelo Martinessi. El premio fue recogido por el director y sus tres actrices protagonistas. Otra actividad relevante ha sido el IV Encuentro de Festivales LGTBI Iberoamericanos que ha tenido lugar entre el 24 y 26 de setiembre con la participación de 13 festivales de 8 países.

Regreso al Futuro más presente que nunca

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Desde el pasado 2015 que se celebró el 30 aniversario del estreno de Regreso al Futuro se ha podido ver un revival de la trilogía en todos los sentidos hasta el punto de hacer soñar a los múltiples fans de la saga con nuevas películas cosa que, por el momento, no va a suceder.

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                Que nos perdone el gran H. G. Wells, pero cuando hablamos de una máquina del tiempo la que nos viene a la mente es, sin duda, el DeLorean. ¿Quién no ha soñado alguna vez con conducirlo a 140 km/h y dejar esa emblemática estela de fuego? 33 años después ese anhelo está más vivo que nunca: alusiones en Campañas de publicidad, películas, programas de televisión o la gala de los Óscar 2017 dan prueba de ello. Sus mismos protagonistasse han vuelto a reunir el pasado mes de agosto con motivo de la Fan Expo de Boston y eso demuestra esa férrea amistad que les une.

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Todo empezó en 1985 cuando Robert Zemeckis estrenó Regreso Al Futuro una modesta película juvenil de aventuras en el que se nos cuenta cómo un muchacho llamado Marty McFly (Michael J. Fox) viaja al pasado para avisar de la muerte de su amigo e inventor de la máquina del tiempo el Doc. Emmett Brown (Christopher Lloyd) y cómo, accidentalmente, causa que su madre (Lea Thompson) se enamore de él en 1955. La película fue todo un acierto: personajes carismáticos, gran puesta en escena, una historia divertida y un equilibrio de aventura, humor y acción inmejorable. Mención también para la soberbia banda sonora de Alan Silvestri así como el tema de Johnny B. Goode (Chuck Berry 1958)convertido en estandarte de la película. Estaba inicialmente concebida como una única película pero, viendo el abrumador éxito que supuso, acabó dando pie a sendas secuelas rodadas a la vez y estrenadas en 1989 y 1990. Regreso Al Futuro II mantenía el espíritu de la primera parte marcado también con el aporte de mostrar la historia original desde otros puntos de vista ya que de nuevo tendrían que viajar a 1955 tras su viaje al año 2015 cuando el viejo Biff (Thomas F. Wilson) roba el DeLorean y viaja a ese año para darle a su alter ego joven un almanaque deportivo con el que hacerse millonario. Sin embargo el listón bajaría en Regreso Al Futuro III ambientada en el lejano oeste donde Doc. encuentra el amor de manos de la maestra Clara Clayton (Mary Steenburgen). Las muchas similitudes con la primera parte hizo que su éxito fuera menor.

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                La trilogía ha sabido envejecer muy bien y hoy en día se consideran películas de culto. Viendo el fervor que todavía levanta ¿no sería momento de seguir contando más historias ahora que está de moda los revivales ochenteros? A pesar de las múltiples habladurías e incluso conseguidos fan-tráileres de una hipotética Regreso al Futuro IV y que Christopher Lloyd ya ha declarado su interés en volver a interpretar a Doc. BrownZemeckis lo tiene muy claro: “Eso no va a suceder hasta que Bob Gale- guionista de la trilogía- y yo estemos muertos. Luego estoy seguro de que lo harán, a no ser que haya una forma de que nuestros legados puedan impedirlo". Una lástima. 

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Aun así os dejo uno de esos fan trailers que hacen soñar con esa esperada continuación



las películas para ver hasta fin de año

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Octubre ya está aquí y viene cargado de películas para todos los gustos. First Man, Venom, animales fantásticos 2 son los títulos más relevantes para ir abriendo boca cara a unas navidades que se presentan como una feroz batalla entre las grandes productoras: Disney con El Regreso De Mary Poppins, Universal con Mortal Engines, Warner con Aquaman, Paramount conBumblebee, 20th Century Fox conAlita Ángel de Combatey Sony conSpiderman: Un Nuevo Universo

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                OCTUBREha comenzado este mismo viernes con el estreno de la esperada cinta de Venom (Ruben Fleischer) donde Tom Hardyinterpreta a Eddie Brock y su relación con el simbionte alienígena. Este papel ya fue interpretado por Topher Grace en Spiderman 3 sin embargo no fue bien recibido y este spin-off viene a redimir al personaje con lo que también queda inaugurada la nueva  línea argumental de Sony con respecto a su franquicia de Spidey centrada en los villanos. Películas como Morvius (dirigida por Daniel Espinosa y protagonizada por Jared Leto), Craven El Cazador, Gata Negra, Silver Sable (inicialmente concebidas en una sola película pero ahora desligadas) o incluso Silk, Jackpot o Vigilante Nocturno tienen cabida en el calendario de Sony. Esperemos que les vaya mejor porque la película que nos ocupa ha ha sido duramente criticada en lo que lleva desde su estreno hasta el punto de peligrar su continuidad. Aunque a Venom se le ha suavizado el contenido para no ser película R (y poderla juntar así con Spiderman), si aun así quieres algo más liviano para tus hijos tienes también Christopher Robin (Marc Forster)salto a las real action movies de Winnie The Pooh y sus amigos junto a Edward McGregorinterpretando al protagonista. Sin dejar a los más pequeños el 11 se estrena Smallfootdonde la historia del Yeti es contada al revés: son estos monstruos los que buscan evidencias de la existencia de humanos. Una divertida historia con ecos a películas como Hotel Transilvania o Monstruos S.A. También con corte juvenil está La Casa del Reloj de Pared (Eli Roth) con Jack Black y Cate Blanchett introduciéndose en mundos mágicos en la línea de las malogradas Tomorrowland o Un Pliegue en el Tiempo

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Sin embargo el plato fuerte de esa semana será el estreno de First Man (Damein Chazelle) donde Ryan Gosling protagoniza la mayor odisea del ser humano: ser el primer hombre en pisar la Luna. Película, con ecos a Apollo XIII, es fiel candidata a los Óscar. El cine español también tiene su hueco con La Sombra De La Ley (Dani De La Torre) con Luis Tosar y Michelle Jenner protagonizando un turbio thriller policiaco en la convulsa España de los años ´20. La segunda mitad de mes está marcada por títulos terroríficos dada la proximidad de Halloween. Tales son los de Slender Man (Sylvain White) trayendo al celuloide al famoso personaje de creepy-pasta. La Noche De Halloween (David Gordon Green) donde vuelve Jamie Lee Curtis a enfrentarse a Michael Mayrs  y ya para el 31 la menos terrorífica Pesadillas 2: Noche De Halloween (Ari Sandel) donde de nuevo los personajes de terror juvenil del escritor R.L. Steincobran vida para aterrorizar Greendale. El cine español nos trae una historia terrible no de monstruos sino de la cruda realidad del holocausto nazi: El Fotógrafo de Mauthausen  (Mar Targarona) donde Mario Casas es Francesc Boix que será el artífice de que unos negativos puedan salir a la luz para mostrar al mundo el horror del campo de concentración austriaco. Y para no cerrar el mes de octubre tan lóbregamente también se estrena el esperado bio-pic de Freddy MercuryBohemian Rhapsody (Brian Singer) sobre los orígenes del grupo QUEEN así como la historia de fantasía de El Cascanueces Y Los Cuatro Reinos (Lasse Hallström, Joe Johnston) con Keira Knightley, Morgan Freeman Y Helen Mirren entre otros habitando un mundo paralelo de magia muy en la línea de Narnia o Alicia En El País De Las Maravillas.

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                NOVIEMBREempieza también contundente con el estreno de Infiltrado En El Kkklan.De nuevo Spike Lee resuena fuerte como candidato a los Oscas con este biopic con aires de comedia mordaz sobre la desarticulación de una célula del Ku Klux Klan por parte de Ron Stallwothprimer policía negro en el estado de Colorado. Sin embargo el estreno del mes se espera para el 16 donde los fans de Harry Potter tienen una nueva cita: Animales Fantásticos 2: Los Crímenes De Grindeward (David Yates) donde se enlaza cada vez más esta historia con las de Potter donde aparece la academia Hogwarts y un joven Dumbledore (Jude Law) que recluta a Newt Scamander (Eddie Redmayne)para luchar contra las fuerzas oscuras del emergente Grindeward (Johnny Depp). Segundo pilar de la nueva saga inspirada en el universo de J. K. Rowling que está previsto que continúe con otras 3 películas más a estrenar en los años 2020, 2022 y 2024. El 23 salta a la gran pantalla el último de los grandes personajes del comic español. Tras Mortadelo y Filemón, Zipi y Zape o Anacleto, le llega el turno a SuperLópez (Javier Ruiz Caldera)donde Dani Rovira se convierte en esta parodia a la española de Superman. Y las fechas navideñas se acercan así que la primera cita la tenemos con esta nueva revisión en película de El Grinch. Este peculiar ladrón de la navidad ya fue llevado al cine en el año 2000 de la mano de Ron Howard y protagonizado por Jim Carrey. 18 años después se apuesta por la animación para traernos de nuevo las desventuras de este personaje creado por el Dr. Seuss.

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                Entramos en DICIEMBREsin abandonar el género de la animación ya que el 5 llega Ralph Rompe Internet. Segunda parte de este peculiar villano de videojuegos que quiere ser héroe esta vez navegando por el proceloso mar de internet. En esta ocasión Disney usa una mordaz crítica y parodia hacia el mundo virtual e incluso hacia sí misma. El 7 vuelve uno de los ladrones más famosos del bosque de Sherwood: Robin Hood (Otto Bathurst). La película ha sido descrita como ‘una emocionante aventura repleta de acción, espectaculares escenas de lucha y un romance atemporal. Ya desde el 14 empieza lo que serán unas navidades repletas de blockbusters de cada productora principal que competirán entre ellas para ganarse el favor de crítica y taquilla: empezamos con Universal que presenta el 14 la nueva apuesta para el género de ciencia ficción de Peter Jackson: Mortal Engines (Christian Rivers) donde, en un futuro post-apocalíptico, los humanos más humildes ven sus vidas amenazadas por las gigantescas ciudades móviles de los poderosos. Pero esto no ha hecho más que empezar. 

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El 21 llegan tres grandes apuestas: por un lado Fox trae Alita, Ángel De Combate (Robert Rodríguez)adaptación del exitoso manga de Yukito Kishiro que pretende romper la maldición de las action movies sobre producciones japonesas. Disney, por su parte, ya quemó el cartucho de Star Wars en mayo con Han Solo: Una Historia De Star Wars (Ron Howard)de una forma injustamente maltrecha gran parte por culpa del boicot de los haters. Sin embargo le queda otro cartucho en la recámara: El Regreso De Mary Poppins (Rob Marshall)retomando las andanzas de la famosa institutriz mágica esta vez con los rasgos de Emily Blunt que apelará a la nostalgia de la primera parte para su éxito. Y por último, Sony trae de nuevo al trepamuros con Spiderman: Un Nuevo Universo. Esta película de animación muy aclamada en sus tráileres y primeros pases, nos muestra el Spiderman afrolatino de Miles Morales y cómo este tiene encuentros con otras versiones de él mismo de mundos paralelos. 

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Pero una semana después se espera las grandes apuestas de las compañías que quedan: Warner apuesta por su vapuleado DCEU con Aquaman (James Wan) donde Jason Momoa vuelve a encarnar al príncipe de la Atlántida contándonos sus orígenes y su lucha por el poder contra Black Manta (Yahya Abdul-Mateen II). Hay mucha expectación con esta película ya que de su éxito dependerá el futuro del universo expandido DC tal como se conoce. Aun así, están ya proyectadas para el 2019 películas de ¡Shazam! (David F. Sandberg), Wonder Woman 1984 (Patty Jenkins), Y The Joker (Todd Phillips). Esta última esta levantado muchísima expectación sobre todo por la caracterización de Joaquín Phoenix como el príncipe payaso con primeras impresiones positivas entre los fans… aunque… ¿un Joker sin Batman? … en fin, este mismo mes de octubre hemos visto un Venom sin Spiderman así que parece que se está creando tendencia lo de mostrar villanos sin su héroe. Frente a Aquaman esta Paramount con Bumblebee (Travis Knight) spin off de la saga Transformers ya desligado de Michael Bay y esta vez centrado en el “hermano pequeño” de los Autobots y ambientada en el año 1987. Fiera competencia para Warner ya que en los tráileres esta película ha tenido buena acogida. Como se ve, se espera unas navidades encarnizadas para conquistar la taquilla cada productora con apuestas potentes. Que gane el mejor... o quien pueda


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Madrid Games Week 2018. un éxito que consolida la feria como referente europeo en el sector de videojuegos

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Los pasados días 18 al 21 de octubre se celebró en Madrid una nueva edición de la Madrid Games Week en los pabellones 12 y 14 de IFEMA. Un gran evento con más de 43.000 metros cuadrados de diversión y avances que fueron las delicias de los más jugones (o gamers como se les llama ahora) donde los stands de Sony, Microsoft y Nintendo fueron los más lucidos aunque Blizzars, Activision, Koch-Media, Warner, Banday-Namco o Ubisoft también mostraron sus novedades. Charlas, torneos, youtubers, conferencias, cosplayers y en general mucha variedad y entretenimiento en un encuentro obligatorio para todo amante de los videojuegos que, un año más, vuelve a ser todo un referente a nivel europeo.


 

                España es el Quinto país consumidor de videojuegos en el ranking mundial con unos ingresos que no paran de crecer. Es por eso se hace obligatorio consolidar una feria a nivel internacional sobre los videojuegos. AEVI (Asociación Española de Videojuegos) e IFEMA este año se lo han propuesto más seriamente tras experiencias anteriores no tan satisfactorias (como las pasadas ediciones de la Madrid Gaming Experience que solo ofrecía juegos ya a la venta sin mostrar ninguna novedad) y la respuesta tanto de creadores, desarrolladores, compañías y jugadores ha sido abrumadora: los datos oficiales confirman un éxito aun mayor de los esperado con más de 136.000 asistentes a lo largo de sus 270 stands




                En el stand de Microsoft los visitantes pudieron probar Ori and the will of the Wisps, antes de su lanzamiento, y juegos recién estrenados como Forza Horizon 4. Este último con unos cuidados puestos de juego con asiento volante y auriculares para que la experiencia de conducción fuera lo más real posible. Por su parte Sony da protagonismo a su dispositivo de realidad virtual PS VR que ofrecerá a sus seguidores títulos tan inmersivos como Firewall: Zero Hour, el aclamadoAstro Bot: Rescue Mission, Déraciné, Blood & Truth, Tetris Effect o Beat Saber, entre otros. Y como avance mostraría escenas de futuros juegos como el Days Gone o el Dreams. Nintendo, sigue anclada en sus clásicos inmortales: mostró para su flamante Nintendo Switch títulos como Super Smash Bros. Ultimate, Pokémon: Let’s Go, Pikachu! y Pokémon: Let’s Go, Eevee!Para los que incluso se organizaban torneos y competiciones para los asistentes. Pero también se pudieron ver títulos como el Bayonetta 2, The Legend of Zelda: Breath of the Wild, Diablo III o el gran fenómeno del Fortnite. Warnertambién tenía su espacio donde presentaba juegos como Hitman 2 o Lego DC Súper- Villanos así como sus estrenos cinematográficos más reseñables como Smallfood, Aquaman o Animales Fantásticos 2: los Crímenes de Grindelward. Y por su parte Banday-Namco mostraría demos jugables de sus juegos más esperados como Jump Force, Soul Calibur VI, One Piece World Seeker, The Dark Pictures – Man of Medan, Ace Combat 7: Skies Unknown o Dragon Ball Fighter Z entre otros. Además contarán con una arena para competir entre amigos a sus juegos de lucha más famosos. Sin embargo los juegos más aclamados serian el exitoso Spiderman, el Call Of Duty Black Ops IIIIo el Resident Evil 2 Así Como El Kingdom Hearts 3 mostrando una demo jugable de los mundos de Toy Story Y Hércules que formó largas colas para su disfrute.



                Pero no todo es jugar. Desarrolladores y creadores de juegos indi incluso de producción nacional se dieron cita también para mostrar sus ideas, sus proyectos y acercar al público el proceloso mundo detrás de los videojuegos. Quizá el lugar no era el más apropiado puesto que estaba en la zona de paso entre pabellones y la acústica no era la mejor. Manga-O-Rama también estaría presente con la asistencia de dibujantes, mangacas y concursos de cosplay. Pero donde se puede decir que más se ha centrado la feria ha sido en los E-Sports con torneos y campeonatos internacionales organizados por la ESL Y La Liga De Videojuegos Profesional LVP con juegos como el Clash Royale, FIFA18,  El League Of Legens, El Rainbow Six aunque el más destacado sería el de la gran final internacional de Gran Turismo Sport donde el propio Kazunori Yamauchi hizo su presentación y valoración del nuevo título de la saga.



                Retro World también estuvo presente con mucho más espacio que en ediciones anteriores pero este apartado del núcleo central de la feria ya que se encontraba en una planta superior a la que se accedía por un único acceso poco señalizado. Eso sí, quien subiera se vería transportado a los años dorados de los videojuegos para los más nostálgicos. Recreativas como El Cadillac And Dinosaurs, El Pang O El Out Run pudieron ser vistas y jugadas por los más maduros en este mundillo. Asimismo aquellos que quisieran ver, jugar o incluso comprar joyas clásicas de consolas de 8, 16 o 32 bits también podrían hacerlo en esta sección. Lástima lo desapercibido de la zona que incluso los allí exponentes (en su mayoría minoristas) se quejaban de la bajada de afluencia y ventas con respecto a años anteriores.



                En general otro éxito más para la industrias de los videojuegos que demuestra que está más viva que nunca y más presente que nunca en la sociedad y los jóvenes de la actualidad aunque… si puede adolecer de cierto espíritu acomodaticio al solo apostar por las franquicias consumadas llenándolas de eternos capítulos sin aportar nada novedoso. Desde luego es otra generación de juegos en los que los nostálgicos que nos sentimos más identificados con los juegos retro nos sentimos desubicados entre tanto juego on line masivo, tanto DLC y tanta parafernalia nueva… pero en el fondo todo sigue igual… si echamos atrás la memoria a otras ferias veremos que juegos como el FIFA, El Call Of Duty, El Tomb Raider, El Assassins Creed o los sempiternos títulos de Mario siempre están ahí… ¿esta cayendo la industria del videojuego en lo comercial y rentista que ha caído hace tiempo la industria del cine? Por lo que parece así es… y parece que le funciona y sus consumidores lo celebran


Todas las fotos de este articulo son hechas por mi. aquí dejo una selección de lo que fue la feria en imágenes


























Venom: un éxito de taquilla a pesar de las malas crítica

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Venom está imparable. Ha pasado un mes desde su estreno y se puede asegurar ya con datos de taquilla que está siendo un exitazo: Ya desde la primera semana se convirtió en el mejor estreno del mes de octubre y, a falta de estrenarse en el mercado asiático, lleva recaudada más de 500 millones de dólares. Todo apunta que pueda alcanzar la recaudación de películas como la Liga de la Justicia o Capitán América 2: el Soldado de Invierno. Y todo ello muy a pesar de las tremendas críticas que ha recibido. ¿Por qué esta diferencia de percepción? Lo analizamos a continuación

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Con el acuerdo de colaboración con Marvel Studiospara introducir a Spiderman en el MCU se le reducía a Sony bastante la posibilidad de usar a su carismático superhéroe por lo que se le ha ocurrido hacer un nuevo universo cinematográfico basado en los villanos del trepamuros…  sin el trepamuros. El primero en encabezar este nuevo proyecto ha sido Venom que ya se le pudo ver en Spiderman 3 (Sam Raimi – 2007) con las facciones de Topher Grace. Sin embargo en aquella ocasión no tuvo ni el tiempo ni el espacio para mostrar una evolución del personaje como debiera y esta nueva película viene a solventar tal circunstancia que tanto enervó a los incondicionales del simbionte.

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11 años después será Ruben Fleischer(Bienvenidos A Zombieland) el encargado de traer de nuevo a la pantalla a este antihéroe desligado de Spiderman (de ahí que no muestre la emblemática araña blanca en su pecho) para lo cual sitúa la acción en San Francisco en vez de Nueva York. Pero por si aún era poca la explicación de porqué no sale el trepamuros, se nos muestra un inicio totalmente nuevo para Venom. Este se nos refiere de forma que es Carltton Drake (Riz Ahmed) a través de su corporación Life Fundationquien trae especímenes de la raza simbionte a la Tierra en una expedición de exploración a un cometa cercano. Por otro lado, vemos a Eddie Brock (Tom Hardy) un reportero caído en desgracia cuando pierde su empleo y a su pareja Anne Weyling (Michelle Williams) que, en un inesperado giro del destino, acaba fusionándose con una de estas formas alienígenas estableciéndose un nexo entre ambos que darán lugar a un Venom mucho menos feroz de lo que cabría esperarse pero que resulta curioso de ver y entretiene.

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Desde antes de su estreno, la película ha sufrido la aplastante crítica negativa de los principales medios que parece que todo lo que no sea Disney en terreno de superhéroes debe ser vilipendiado (véase también las campañas de descrédito que sufre últimamente el universo DC). Amen del supuesto boicot de los fans de Lady Gaga para favorecer su película Ha nacido una estrella. Cierto es que ha jugado en su contra el drástico recorte de metraje que ha habido para evitar la calificación R cosa que en un principio se prometía que si la mantendría. La película, con ello, ha quedado muy descafeinada aunque no por ello infantil. Las escenas violentas están pero no explícitas sino insinuadas. Venom se muestra igualmente despiadado y brutal con sus enemigos hasta tal punto que crea conflicto con su huésped ya que Eddie Brock tiene unos valores y rectitud que refrenan el instinto homicida del simbionte. Ese es uno de los aciertos del film. La interacción de Brock/Venom es magnífica hasta el punto de tener que convivir dos personalidades tan distintas como en una extraña pareja. Estos desencuentros son también forma de aligerar la película con humor bien introducido sin llegar a ser excesivo como pasa en algunas películas de Marvel (Thor Ragnarog). Pero vayamos por partes.

La película adapta muy libremente comics como Venom: Protector Letal o Planeta de Simbiontes aunque también introduce Eastern Eggs jugosos para los fans del trepamuros como la alusión al hijo de J.J Jameson, o el incidente en Nueva York en el Daily Globe de Brock que le llevó a San Francisco. El primer acto quizá queda demasiado largo y hace que hasta la aparición de Venom la película resulte algo lenta. Sin embargo todo mejora cuando se produce tal simbiosis. Lo que podría casi considerarse un inicio de película de amor, se convierte en una vorágine de acción, humor negro y desatamiento de efectos visuales que, sin llegar a ser perfectos, cumplen su cometido. El ritmo se va acelerando cada vez más de forma que incluso el espectador pueda llevarse la sensación de estar perdiéndose información. Sobre todo en la evolución de Venom que pasa de considerar a Brock un mero “recipiente” a ser ya amigo. Eso puede ser debido también a las escenas eliminadas que, según Tom Hardy muchas eran sus favoritas. El final es demasiado precipitado que hace que esa evolución de los personajes quede interrumpida y el conjunto final de un aspecto inacabado a la historia. Cosa no necesariamente negativa ya que estamos ante una película del origen del héroe y es de esperar que se consolide en próximas entregas (en principio Hardyha firmado por 2 más)

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En su conjunto estamos ante una película entretenida, que divierte, entretiene y, si no vas con muchas expectativas, hasta puede que te guste. El ritmo es adecuado, las escenas de acción bien conformadas y sobre todo Hardy es la gran baza de esta película que se esfuerza por llevar su interpretación al nivel que le caracteriza (él mismo pone la voz grave de Venom cuando interaccionan los dos). ¿Agujeros de guion? Los hay sin duda quizá demasiado magnificados por los detractores pero, aunque alguno si es especialmente llamativo, en su conjunto tampoco son tan graves. El villano cumple su cometido y sobre todo muestra ese tipo de personas que de fachada velan por sus semejantes pero por dentro oculta un alma oscura. En ese sentido, la interpretación introspectiva y serena de Ahmed es soberbia. Quizá el personaje de Williams es el peor parado. Sus aportaciones son nimias pero cuando se la necesita está. ¿Se echa de menos a Spiderman? En un principio concebir a Venom sin el arácnido se hacía complicado pero la película tiene entidad por sí misma y no chirria su ausencia. Eso no quiere decir que en un futuro puedan compartir universo; una de las razones para evitar la calificación R es esa. Mucho de los fans así lo querrían ya que este Venom es mucho mejor que el que vimos en Spiderman 3 de Raimi.

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La película para nada es tan nefasta como nos la querían hacer ver la crítica. No es para nada la peli del año pero cumple si vas con las expectativas de pasar un buen rato, disfrutar de una película de acción y divertirte con los chascarrillos de Venom. Por lo que se deduce de los buenos datos en taquilla parece que el público no se deja tanto influir por la critica por lo que Venom ya puede decirse que ha suido un éxito para Sony. No está todavía confirmada pero es muy factible una continuación de las aventuras del personaje que quien se haya quedado a ver los after-credits, tendrá una pista de quien será el villano.

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El siguiente estreno de este peculiar universo de villanos está previsto inicialmente su estreno para finales de 2019 y será Morbius. El Vampiro VivienteDirigido por Daniel Espinosa y con Jared Leto interpretando a este científico que acaba convirtiéndose en un vampiro sanguinario por un experimento fallido. Y también están aprobadas películas de Kraven El Cazador, Black Cat y Silver Sable… y muchas más (como Silko Nightwatch) que están en proyecto a expensas de cómo funcione este universo. Por lo pronto parece que Sony se lo toma en serio y el público acompaña muy a pesar de la crítica que parece que no… ¿boicot para favorecer a Disney/Marvel?

29 Semana de cine Fantástico y de Terror, San Sebastián. La mejor en años

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Este viernes 2 de noviembre acabó la que, en nuestra humilde opinión, ha sido la mejor Semana de Cine Fantástico y de Terror en años.  En esto del "cine de género" hay muchas buenas ideas muy mal materializadas y es fácil encontrar auténticos fiascos. Pero este año no ha habido jornada en la que no contáramos con una o dos películas de nivel más que decente así como con cortos muy ingeniosos y bien realizados.

Entre las películas que más nos han gustado estuvieron Mandy de Panos Cosmatos, la Casa de Jack de Lars von Trier y que mereció mayor reconocimiento, The Wind de Emma Tammi, que el público no sabe o puede apreciar porque requiere un pausa y silencio de la que "la semana" carece, o la sueca Border, utilizando el cine de género paar enviar un mensaje a la sociedad. Pero son destacables The Dark, Piercing de interesante estética y desarrollo sorprendente, la coreana Monstum, la japonesa Liverleaf acerca del acoso escolar, Nación Salvaje, muy crítica con la buena gente de la América de Trump, Ghostland, del francás Pascal Laugier que debutó con Martyrs u otra película coreana (Asia es el futuro) The Witch Part1:Subversion.

Entre los cortos cabe destacar Baghead, Helsinki Mansplaining Massacre (como no hablo más de ella lo digo aquí, es realmente divertida y ácida, vedla si tenéis ocasión) o El escarabajo al final de la calle, pero hay multitud de ideas geniales y formas originales de contar una historia, por ejemplo Das Mädchen im Schnee

El jurado (los jurados)

El jurado de los cortos estuvo compuesto por Piluca Baquero, productora y actualmente directora del Grado de Cine de la UCJC, Mafalda González-Alegre, productora, guionista y presentadora, y Lucio A. Rojas, director y guionista chileno que al mismo tiempo presentaba Trauma, una película que partía de una buena idea que no llegaba a cuajar de modo afortunado.

El jurado de los Premios de Cine Blogos de Oro lo compusieron Paula García-Arenanza de Cine de Patio, Carlos Minondo de DonostilandiaJon Paul Arroyo de Bang Bang Zinema, Mikel Peña de RavenHeart y el director Manuel Aguilar.

La imagen de la Semana

La imagen de la semana la ha protagonizado Itziar Castro, una actriz impresionante y persona encantadora con cuya presencia pudimos contar casi accidentalmente debido a su cese inesperado como profesora de interpretación en Operación Triunfo.


Una decepción

La semana se abría de modo esperanzador y espectacular con Overlord, dirigida por Julius AVery y producida por JJ Abrams. Una narración de terror sobre el día D y los experimentos nazis para crear super soldados. 5 minutos iniciales de acción trepidante... y eso es todo. Un guión poco creativo con una narración muy previsible, sin nada que reseñar en el plano interpretativo ni en la fotografía ni siquiera en los efectos especiales eran de especial mérito. Durante casi toda la semana temimos que se llevara el premio del público.


Una sorpresa

One cut of the dead, que empieza con un plano secuencia de más de 30 minutos que parecen a medio camino entre una broma, un rodaje de Ed Wood y un producto amateur. El premio es para quién sepa esperar (hubo quién no supo), porque ahí se da la vuelta y encontramos en enorme trabajo sobre el amor al cine. Hay quién la ha calificado de comedia sobre zombies pero, a pesar de los guiños cómicos, es otra cosa distinta y más profunda. Afortunadamente en el último momento arrancó el premio del público de las manos de Overlord.


La acertada apuesta de los Blogos de Oro

Por Grans, del director sueco-iraní Ali Abbasi. Reconocida en Cannes en 2018 con el premio Un Certain Regard, la película utiliza la mitología nórdica para reflexionar sobre cómo acogemos a los que son distintos, pero al integrarlos hacemos que ya no sean distintos. En ese proceso de acogida pero paradójicamente rechazo al mismo tiempo, se puede producir también la reacción contraria.


Palmarés

PREMIO DEL PÚBLICO AL MEJOR LARGOMETRAJE
    One Cut of the Dead (2017). Shinichiro Ueda. Japón

      PREMIO DEL PÚBLICO AL MEJOR CORTOMETRAJE (1.000 €)
        Baghead (2017). Alberto Corredor. Reino Unido (Veremos que no sólo lo apreció así el público)

          PREMIO DEL PÚBLICO AL MEJOR CORTOMETRAJE DE ANIMACIÓN (1.000 €)
            La noria (2018). Carlos Baena. España.

              PREMIO DEL PÚBLICO AL MEJOR CORTOMETRAJE ESPAÑOL (1.000 €)
                El escarabajo al final de la calle (2017). Joan Vives i Lozano

                  PREMIO DEL JURADO AL MEJOR CORTOMETRAJE (1.000 €)
                    Baghead (2017). Alberto Corredor. Reino Unido

                      “MÉLIÈS DE PLATA” AL MEJOR CORTOMETRAJE FANTÁSTICO EUROPEO
                        Helsinki Mansplaining Massacre (2018). Ilja Rautsi. Finlandia

                          Premio del Jurado Joven al Mejor Cortometraje
                            Baghead (2017). Alberto Corredor. Reino Unido

                              Premio Syfy al Mejor Cortometraje Español (3.000 €) (patrocinado por Syfy, claro)
                                El escarabajo al final de la calle (2017). Joan Vives i Lozano

                                  Premio Blogos de Oro al Mejor Largometraje
                                    Border / Gräns (2018). Ali Abbasi. Suecia-Dinamarca

                                      Premio del Público al Mejor Fanzine (Patrocinado por FNAC Donostia)
                                        La Valla, que ya ganó este mismo premio en 2017

                                        Foto de grupo


                                        La noche del 31, durante el maratón de Halloween, se hizo una serie de fotografías de grupo que casi podríamos calificar de performance colectiva. Ocupando butacas vacías con personal de la sala y presentadoras, gafas anaglíficas (ñas de los cristales rojos y azules para ver películas en un primitivo 3D) puestas, quitadas, puestas... ahora esta zona, ahora esta otra... todo ello coordinado genialmente por Pedro P. Jiménez (Mambrú el hombre ola)




                                        Clausura 

                                        Como cada año fiesta en Bataplán para los acreditados, invitados, organizadores, abonados del festival y demás fauna afín. Este año contaba como DJs con los multi artistas Borja Crespo y Koldo Serra que pincharon una mezcla ecléctica de estilos y épocas con temas para todo tipo de gustos. No nos quedó claro si un par de mezclas criminales correspondían al final de sus sesión o a la entrada en acción del DJ de la sala. Lo que sí podemos decir es que el ambiente estuvo animado, con muchos asistentes, pero al mismo tiempo en un entorno de confianza, casi íntimo.

                                        Dos anécdotas de los cortos premiados

                                        que descubrimos durante la clausura. 

                                        La idea genial de "El escarabajo al final de la calle" se origina en las largas conversaciones telefónicas entre la actriz y el director, (la barcelonesa Alexandra Lacaita y el valenciano Joan Vives) que son pareja. No puedo contar mucho más, quién vea el corto lo entenderá.

                                        Pudimos hablar unos minutos con Alberto Coredor, el multi galardonado director de Baghead. Nos contó que una pequeña "aportación" al final del corto (que en nuestra opinión empobrecía un poco el resultado) no era de su cosecha sino por una poderosa influencia externa. También nos contó que estaba trabajando en un proyecto de largometraje, algo que esperamos con mucho interés.

                                        Y fin

                                        Y así quedamos dentro de un año. A la expectativa de qué tendrán pensado Josemi Beltrán y sus colaboradores de Donostia Kultura para este trigésimo aniversario de la Semana de Cine Fantástico y de Terror. Esperemos que el nivel sea al menos el de ésta que ha finalizado. Al menos mantendremos el mismo ambiente, los comentarios, los gritos y la cerveza circulando durante las proyecciones.

                                        Overlord. Mucho ruido... no tantas nueces

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                                        Sinópsis:

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                                        Crítica / texto:

                                        Éxito entre el público de Sitges y de San Sebastián, donde estuvo a punto de ganar el premio del público, y muy bien recibida por buena parte de la crítica. Tuve la ocasión de verla en San Sebastián, durante la inauguración de la 29 Semana de Cine Fantástico y de Terror. El nombre de JJ Abrams en la producción genera elevadas expectativas... grandes medios, muchos fuegos de artificio e ideas ingeniosas. Y ya se sabe que no hay algo peor que una expectativa insatisfecha. Quizá cuando uno espera algo fuera de lo común, encontrar algo simplemente correcto y competente provoque una valoración injustamente baja.


                                        La premisa es prometedora, una combinación de película de terror y bélica, aunque no tan original como pueda parecer. Tenemos multitud de ejemplos. Citando unos pocos, la decana Revenge of the Zombies de 1943, pasando por la película de culto El torreón, de Michael Mann, la española La tumba de los muertos vivientes, dirigida por el inefable Jess Franco, la británica Dog Soldiers, la franquicia Outpost, la hilarante Dead Snow, la idea enloquecida de un Osama Bin Laden zombie en Osombie o la finlandesa War of the Dead. Y no podemos olvidar la saga de videojuegos de Wolfenstein que nos viene acompañando desde principios de los años 80.


                                        La cinta comienza muy bien, con una trepidante escena en un avión en la que podemos percibir la tensión y el miedo de unos soldados a punto de entrar en combate por primera vez. Y tras caer del aparato la película parece caer al mismo tiempo. Habiendo tantos precedentes en los que inspirarse o a los que copiar descaradamente, quizá cabría esperar algo más interesante. La trama es extremadamente previsible y se diría que podemos adivinar cada giro durante una escena. Hasta los actos de heroísmo son los que están previstos.


                                        Esta no es, innegablemente, una película de intérpretes, pero tampoco es obligatorio que sea lo contrario. Tampoco ayuda lo inverosímil de los personajes. Nuestro "tipo duro", el cabo Ford interpretado por Wyatt Russell, no puede parecernos menos creíble. Boyce, Jovan Adepo, un soldado bisoño negro que nunca ha disparado un tiro desobedeciendo de modo explícito a un superior veterano? Mathilde Olivier es quizá la que tiene una actuación más sólida, pero su personaje hubiera sido tachado de colaboracionista por los franceses y humillada públicamente, si no ejecutada. Al margen de esto, por muy motivada y desesperada que se encuentre una persona, no aprende de repente a manejar un subfusil o un lanzallamas. Tibbet, John Magaro, es poco más que un arquetipo. Y finalmente Wafner, Pilou Asbæk, el malvado comandante alemán, metáfora evidente de que el monstruo exterior surge cuando ya existe el monstruo interior. Pero por si no lo tenemos bastante claro, Wafner es un acosador sexual, que abusa de su posición en el pueblo, además de ser Nazi convencido, taimado y cruel, que no tiene escrúpulos en utilizar a los ciudadanos franceses como material de los experimentos nazis ni en utilizar a un niño como rehén para satisfacer sus bajas pasiones sin encontrar resistencia.


                                        Quizá el mayor problema de esta cinta sea que Julius Avery no parece saber si está rodando una película bélica o una cinta de terror, o un mashup de ambas que no encuentra su equilibrio. Y por esto no logra resultar convincente en ninguno de los tres aspectos. Con los medios que se le suponen a JJ Abrams no se han desplegado unos efectos especiales realmente espectaculares. Pero, y este sí parece un verdadero problema, se ha desplegado todo el potencial terrorífico de los zombies-supersoldados-nazis. Uno no tiene la sensación de amenaza inminente contra la humanidad, ni tampoco un escalofrío nos recorre la espalda al contemplarlos. O quizá Avery, o su mentor Abrams, haya querido de modo consciente que esta sea una película de un poco para todos.


                                        En resumen, una película entretenida a lo largo de toda su duración, sin sensación de exceso de metraje. Y hasta aquí llega, aunque quizá no se le pida nada más. No hay una idea original, no hay una frase característica que quede en la memoria, no hay una imagen para el recuerdo, no hay un giro del guión interesante, no hay unos efectos memorables... al salir de la sala no queda nada reseñable. Y a pesar de esto no dejaría de recomendarla a adolescentes con una tarde libre o a inveterados fans de la serie B.  En ocasiones yo también me como una hamburguesa de alguna gran cadena.

                                        Ficha técnico-artística:

                                        • Director: Julius Avery
                                        • Guión: Billy Ray, Mark L. Smith
                                        • Intérpretes: Jovan Adepo, Wyatt Russell, Mathilde Olivier, Pilou Asbæk, John Magaro, Gianny Taufer, Dominic Applewhite, Iain De Caestecker
                                        • País: EEUU
                                        • Duración: 109 minutos
                                        • Música: Jed Kurzel
                                        • Fotografía: Laurie Rose, Fabian Wagner

                                        Trailer:



                                        Mandy. Que gran película, que mal momento

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                                        Sinópsis:

                                        Aviso legal. Mandy no es una película al uso y darle peso a la sinopsis es subrayar un elemento poco relevante de esta película. A pesar de esto conservamos aquí la sinopsis para mantener la estructura habitual.


                                        1983, Red y Mandy viven alejados del mundo y de sus vidas pasadas, él trabajando como leñador y ella en una pequeña tienda aislada. Cuando Mandy se cruce durante un paseo con los miembros de la secta "Hijos del nuevo amanecer", su líder se obsesionará con ella y convocará a unos motoristas ávidos de drogas y sangre para que la secuestren. Todo acabará con Mandy muerta y Red malherido. Pero la venganza de Red va a dejar un rastro de sangre y cadáveres a su paso.

                                        Crítica / texto:

                                        El fin de semana del 12 de octubre se estrenaban 19 películas en la cartelera española, nada menos. Desconozco como se han conjugado los elementos pero esto perjudica a todos los implicados. Al público, que habrá de elegir qué puede ver en sala ya que el siguiente fin de semana trae sus propios estrenos y que verá como las producciones más minoritarias quedan excluidas de la programación. A las salas, que no podrán sacar el jugo debido a cada película. Y finalmente a las distribuidoras, que se encontrarán con el mismo problema. Y todo esto, ¿qué tiene que ver con Mandy? Pues Mandy es una de esas películas que se ve apartada, sobre todo en las ciudades pequeñas que no tengan gran cantidad de salas.


                                        Como decíamos, esta no es una película al uso, o mejor dicho, no puede verse como una película al uso. Esta película ha de ser vista en los términos que plantea el director. En realidad es así con todo el cine, nadie ve con la misma perspectiva un documental, una película policíaca, un musical, una película de acción... Pero hay una diferencia importante, para todo lo que hemos comentado nos hemos ido educando a travé de nuestras experiencias cinematográficas. Y éstas no nos han preparado para el festín visual que es Mandy, más incluso, para el banquete sensorial que es Mandy. Pero vayamos por partes.



                                        Aclamada por la crítica y con una gran recepción en los festivales en los que se ha presentado, incluyendo Sitges (con la excepción de Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián), esta película se divide en dos partes. En la primera se presenta a los personajes, en un universo plácido y bastante onírico en el que ambos son felices aunque se intuye que ambos escapan de vidas previas que desean dejar atrás. Mientras en la segunda parte la placidez de la primera, la magia tranquila, desaparece para transformarse en una brutal sucesión de escenas de violencia más próximas a Conan el Bárbaro. Panos Cosmatos hace tal conjunto de referencias al cine de los años 80 y a la cultura del metal que casi parece un homenaje. Sus moteros drogadictos parecen haber regresado directamente de Hellraiser. Así mismo la película está llena de elementos mágicos como el "Cuerno de Abraxas" o "La daga corrompida del caballero pálido". Y hay una increíble escena de duelo con motosierras que podría evocar La matanza de Texas



                                        Un elemento sorprendente y que comentamos por no desvelar nada importante de la película, es el perturbador anuncio del Cheddar Goblin, que Red ve al llegar a casa. El anuncio tuvo su propio guión y rodaje.




                                        La fotografía de Benjamin Loeb es uno de los elementos narrativo fundamentales. en la primera parte las imágenes toman un carácter azulado, como de sueño feliz. Mientras en la segunda nos muestra una paleta de colores rojos que combinan perfectamente con el onirismo y cierta sensación alucinógena de la película. El propio Loeb comenta que Cosmatos le había animado a hacer cosas que por él mismo no se hubiera atrevido. Los planos son magníficos, algunos verdaderas portadas de discos. La forma de transmitir el involuntario viaje alucinógeno de Mandy es muy interesante. 



                                        La música es una perfecta acompañante de esta película, desde el inicio con el tema Starless de King Crimson mientras Red vuelve a casa de su trabajo de leñador, pasando por éxito folk-psicodélico  de los 70 "El amuleto del laberinto sollozante" de Jeremiah Sand, creado para la película (merece la pena leer la letra pues ayuda a conocer al personaje). Y sobre todo la banda sonora de Jóhann Jóhannsson (éste fue su último trabajo) que genera un ambiente amenazante.


                                        Un detalle que refleja el cuidado de la estética que ha tenido Cosmatos es la serie de rótulos que aparecen presentando los distintos elementos de la película y que han sido trabajados de forma muy detallada por el grupo Shynola. El detalle de estos carteles contribuye de modo eficaz y sorprendente a ambientar los distintos momentos de la película.


                                        En cuanto a la interpretación, Nicolas Cage, Red, se nos muestra con su faceta más salvaje y enloquecida en un papel que le viene como anillo al dedo, especialmente cuándo ha de volver a su pasado violento para reclamar su venganza. Su escena de dolor en el baño no puede ser más salvaje. Andrea Riseborough, Mandy, es su contrapunto ideal con la paz que transmite, resulta casi mágica, casi inmaterial. Linus Roache, Jeremiah Sand, es un perfecto líder de una secta, centrado en su propio ego y acostumbrado a que todos se plieguen a sus deseos, dispuesto a sacrificar incluso la vida de sus fieles.


                                        En definitiva, no es una película para todos los gustos, es un trabajo con un componente de fascinación que se ha de ver con la mente abierta y sólo bajo las premisas de su director. Si buscamos una película convencional nos equivocaremos, si buscamos una nueva experiencia sensorial la disfrutaremos.

                                        Ficha técnico-artística:

                                        • Director: Panos Cosmatos
                                        • Guión: Panos Cosmatos, Aaron Stewart-Ahn, Chris 'Casper' Kelly
                                        • Intérpretes: Nicolas Cage,  Andrea Riseborough,  Linus Roache,  Bill Duke,  Richard Brake, Hayley Saywell,  Line Pillet,  Ned Dennehy,  Clément Baronnet
                                        • País: EEUU
                                        • Duración: 121 minutos
                                        • Música: Jóhann Jóhannsson
                                        • Fotografía: Benjamin Loeb

                                        Trailer:


                                        Entre dos aguas. El tiempo alcanza a la leyenda.

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                                        Sinópsis:

                                        12 años han pasado desde La leyenda del tiempo. Isra y Cheíto han tomado caminos distintos en sus vidas. Isra regresa de la cárcel y Cheíto de una larga misión en el mar. Su reencuentro en San Fernando les devolverá el recuerdo de la muerte violenta de su padre. Les une la misma necesidad, retomar sus vidas y superar el pasado.

                                        Crítica / texto:

                                        Todos hemos de retractarnos alguna vez. Cuando Isaki Lacuesta ganó la Concha de Oro en 2011 con Los pasos dobles la sensación fue agridulce y prometió no volver a presentar a concurso ninguna de sus películas. Pero aquí lo tenemos en 2018 estrenando en salas Entre dos aguas, ganadora de nuevo de una Concha de oro. Todos hemos de retractarnos alguna vez. Muchos, que hemos sido fieles a la idea de que la historia vertebra la película hemos de quitarnos el sombrero ante esta película de intérpretes, ante esta película de verdades como puños, de imágenes y sonidos que se funden perfectamente, de ambientes y matices, de sabor a sal y a realidad.


                                        Lacuesta recupera a Isra y Cheíto, ya mayores. La vida les ha llevado por caminos distintos a los que esperaban, Cheíto quería quedarse cerca de casa pero es un militar que ha recorrido medio mundo en largos despliegues alejado de su familia. Isra quería ser Guardia Civil pero ha acabado en el talego por trapichear con droga. Ambos están en la distancia y tienen dificultades para conservar sus familias y hacer proyectos de futuro. La cámara se centra fundamentalmente en Isra, en las dificultades para salir adelante con empleos de miseria y con un historial delictivo. Pero también en sus dificultades para dejar atrás el pasado. Las escenas del bautismo y el tatuaje resultan más que evocadoras, casi excesivamente obvias. Y como guinda, la presencia y tentación constante del tráfico, en el ocio e incluso en un trabajo, dónde vigila todo tipo de vehículos utilizados para el narcotráfico y requisados por la policía.


                                        El formato parece documental y las interpretaciones son muchas veces "naturales", casi improvisadas. Pero estamos ante una ficción, Isra no ha estado en la cárcel ni se ha intentado suicidar. Una ficción que resulta muy real, que habla sobre la vida de las capas sociales más pobres de San Fernando. El director comenta que en el barrio de La Casería resulta muy difícil salir adelante, escapar del destino, porque no hay trabajos, porque hay pocas posibilidades de estudiar, porque el ambiente mete a los jóvenes en una espiral destructiva. Y así la película, que pretendía reflejar la mirada de Isra y Cheíto adquiere un componente social.


                                        Para la filmación escogió el celuloide, a Lacuesta le parecía un contraste interesante, ya que 12 años antes había filmado La leyenda del tiempo con medios digitales. Le atraía el contraste, que la película siendo actual tuviera elementos antiguos. El director lo compara con el marisqueo o ciertos rituales militares, ambas cosas aparecen en la cinta, no hayan cambiado en generaciones, mientras que de repente la música actual o un teléfono móvil nos regresan al momento presente.


                                        Finalmente la música, tan importante para Lacuesta que da título a tanto a La leyenda del tiempo con un tema de Camarón, como a ésta con un tema de Paco de Lucía. Trabajo de Kiko Veneno y Raül Refree, tan perfectamente fusionada con la imagen, impregna todo y pone un lazo que remata perfectamente este regalo cinematográfico. Hay un verso de Kiko Veneno que lo dice todo  "Dale pan a los chiquillos, tan, tan, tan, pan, pan, que el pan le quita el filo al cuchillo".

                                        Ficha técnico-artística:
                                        • Director: Isaki Lacuesta
                                        • Guión: Isa Campo, Isaki Lacuesta, Fran Araújo
                                        • Intérpretes: Israel Gómez Romero, Francisco José Gómez Romero, Rocío Rendón, Yolanda Carmona, Lorrein Galea, Manuel González del Tanago
                                        • País: España
                                        • Duración: 136 minutos
                                        • Música: Raül Refree, Kiko Veneno
                                        • Fotografía: Diego Dussuel

                                        Trailer:



                                        Y no puedo ni quiero evitarlo, para quién haga scroll "hasta que acaban los títulos de crédito", aquí Paco de Lucía tocando Entre dos aguas.

                                        Dantza. Un lenguaje local... un lenguaje universal

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                                        Sinópsis:

                                        Estalla la tormenta tras una dura jornada de trabajo en el campo. Cuando la lluvia amaina, brota la vida de la tierra antes yerma. Un fruto crece y madura, sobrevive al ataque de las plagas y se convierte en la manzana que da vida a la sidra. Llega entonces el tiempo de celebrar la cosecha, de brindar y festejar el amor.

                                        Crítica / texto:

                                        Hace no mucho decíamos que una película, especialmente algunas películas, ha de ser vista en sus propios términos. Y ésta requiere verse con la mente abierta a la plástica, al ritmo, a la metáfora. Esnal no ha hecho un documental, ni tampoco una ficción. Estrenada en el 66 Festival de cine de San Sebastián fuera de concurso, este trabajo es un homenaje a la danza y a la tierra, a las tradiciones y a los mitos, utilizando para ello el lenguaje universal del baile y la música. Pero este lenguaje ha sido reinterpretado y actualizado, tanto a nivel coreográfico como musical.


                                        Telmo Esnal se ha atrevido con una película muda. Y, como sucede con un ciego, ha potenciado el resto de elementos. Aunque puede parecer que la temática es muy local, la danza y la música vascas, las historias que se plantean son realmente universales, la conquista de la naturaleza, la agricultura, la fiesta o el amor. Según avanzan la narración, la cromática de la fotografía, de los paisajes y del vestuario va evolucionando. Los colores pasan progresivamente desde los ocres hacia tonos más alegres y frutales.


                                        Dantzari antes que cineasta, Esnal comenzó este proyecto en 2012. La experiencia del director en los bailes tradicionales vascos le ha permitido abordarlos con el mayor respeto, pero desde una perspectiva actualizada. El baile y la música surgen naturalmente, a través del ritmo de las tareas cotidianas como cavar la tierra, o trabajar el metal. Tampoco podemos olvidar otro gran elemento del ámbito rural, el desafío, que empuja a la búsqueda de mayor habilidad o espectacularidad.


                                        La labor de los bailarines, los dantzaris, ha sido fundamental para que este trabajo tomara forma. Los ensayos, las repeticiones de las tomas, han sido una novedad y un esfuerzo considerable para ellos. Hay que tener en cuenta que en el mundo de las danzas vascas no existen los profesionales, y han de buscar el tiempo para cualquier proyecto que implique cierta dedicación.


                                        Pascal Gaigne, francés residente en San Sebastián desde 1985, ha reinterpretado temas y armonías tradicionales. Su interiorización de la música vasca se refleja en el Goya que ganó con la banda sonora de Handia. Junto a él han colaborado Mikel Urbeltz y Marian Arregi. Para quién conozca la música tradicional vasca, los temas resultan familiares al oído. Pero casi ninguno es una pieza existente, sino adaptación y asimilación de ritmos y melodías tradicionales.


                                        En resumen, una bella película. Un trabajo que entra por los ojos y los oídos, que no se debe intentar racionalizar, únicamente se debe sentir. 

                                        Ficha técnico-artística:

                                        • Director: Telmo Esnal
                                        • Guión: Telmo Esnal
                                        • Intérpretes: Joseba Astarbe, Gari Otamendi, Josu Garate, Amaia Irigoyen, Ainara Ranera
                                        • País: España
                                        • Duración: 98 minutos
                                        • Música: Pascal Gaigne, Mikel Urbeltz, Marian Arregi
                                        • Fotografía: Javier Agirre

                                        Trailer:

                                        Bernardo Bertolucci (1941-2018). El último emperador del neorealismo

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                                        Nunca es agradable escribir una necrológica, nadie pone en su currículum, redactor de panegíricos póstumos y notas necrológicas. Menos aún deseamos escribir la nota de uno de los grandes, con mayúsculas, del cine. Y lo posponemos… pero aquí estamos, aunque sea tarde, recordando y rindiendo homenaje a Bernardo Bertolucci. 


                                        Pupilo casi accidental de Pasolini, al que conoció por ser vecino de éste, no tuvo formación reglada en el cine y aprendió su oficio como ayudante de pasolini y viendo mucho cine. Su estilo, inclasificable, se puedo considerar como el heredero del neorrealismo italiano, al menos en la primera parte de su carrera, y en cierto modo fin y cumbre de este movimiento. A pesar de su simpatía por el comunismo y el compromiso político que manifestaban muchas de sus obras, se le acusó de burgués, quizá por comparación con la radicalidad de Pasolini. Innegablemente la historia que presentaba era parcial y sesgada, recogiendo toda la mítica del comunismo, proyectada reiteradamente sobre un supuesto "fascismo", que identifica con la burguesía, con la plutocracia y con "el poder".


                                        La justicia social era una preocupación de Bertolucci, no podemos olvidar que su primera película trata sobre del asesinato de una prostituta, toda una declaración de intenciones. Pero su leitmotiv era el devenir de las personas ante los acontecimientos históricos. Por ejemplo en El último emperador, o en Novecento, sus protagonistas son arrastrados por sus orígenes y sus circunstancias más allá de su voluntad. Otra de sus grandes inquietudes era la sensualidad y el erotismo. Podemos apreciarlo en Antes de la revolución, El conformista, La luna, El último tango en París o en Soñadores.


                                        Si recorremos su carrera en el tiempo, es interesante que fuera la escandalosa, sexual y polémica El último tango en París la que le diera el crético para rodar su magna obra Novecento, una superproducción con actores del mayor nivel que representa el enfrentamiento entre los trabajadores y los poderosos, siempre con su particular perspectiva. Posteriormente llegaría Hollywood, los 9 Oscar de El último emperador, el éxito de El cielo protector, El pequeño Buda, o de Belleza robada, y su visión de mayo del 68, sensual y con algunos tintes autobiográficos, en Soñadores. Su último trabajo fue un capítulo en un documental sobre los 70 años del Festival de Venecia, Venecia 70: Future Reloaded, con más de 70 directores. Su fragmento, Zapatos rojos, habla de las dificultades para moverse por las calles de Roma en silla de ruedas.


                                        Un dato que poca gente conocerá es que Bertolucci fue co-guionista de Hasta que llegó su hora de Sergio Leone, junto con el propio Leone, Dario Argento y Sergio Donati. Si lo pensamos tiene su lógica, la película habla de un "poderoso", simbólicamente "podrido" en su salud, que lleva años ejerciendo la violencia sobre los débiles, usando de matones, haciendo asesinar y causando terror para alcanzar sus fines de insaciable codicia. Enfrente están un humilde muchacho, aparentemente de origen indio o mexicano, un forajido hispano y una prostituta recién casada con un emprendedor de origen irlandés, asesinado junto con su hijo.


                                        Hay dos detalles que nos hablan de un hombre auténtico, su residencia, y su producción. Vivir en el bohemio, auténtico y popular barrio del Trastevere. Por cómodo que fuera su hogar, no era el barrio más lujoso de Roma. En cuanto a su producción, 25 películas en su carrera de director, aunque los ´9 Oscar de El último emperador le habrían permitido acometer más proyectos, probablemente mucho más comerciales, pero que habrían llenado sus bolsillos. También es cierto que, especialmente a partir de 2012, sus problemas de salud frenaron en seco su carrera.


                                        Y así nos quitamos el sombrero, saludamos con una leve reverencia y nos despedimos del genio para siempre. Él hombre se va pero su arte queda con nosotros para que recordemos que las personas son como hojas llevadas por el viento de los acontecimientos.


                                        Segunda edición de Ibicine, el festival isleño de cortos

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                                        Astarté

                                        Astarté, diosa fenicia que hereda la tradición de diversos pueblos mesopotámicos, todos tenemos en la cabeza el nombre de Ishtar, y parece tener su origen en la edad del bronce. Era la diosa de la naturaleza, la vida, la fertilidad, el amor y el placer. Los griegos la asimilaron a Afrodita y Deméter. Una diosa de tradición milenaria y que ha dejado para el tiempo presente el nombre Esther y la palabra estrella en diversos idiomas. Astarté, así se llama el premio que entrega Ibicine y que evoca las tradiciones mediterráneas, la vida y la sensualidad.

                                        El Festival

                                        Ibicine se desarrolla en la isla de Ibiza y al mismo tiempo que pretende potenciar el cortometraje, promueve relaciones y proyectos entre cineastas, ayudando a profesionalizar el sector cinematográfico en la isla y generando interés en el público por la cultura del cine. El festival está dirigido con mucho empuje e ilusión por Helher Escribano e Irene Torres. En 2017 fue apadrinado por Nadia de Santiago y Jon Plazaola, quién repite en esta edición junto con Inma Cuevas.


                                        Para esta Segunda Edición, el Festival ha llevado a cabo una especie de "gira" con cortometrajes nacionales e internacionales por los 5 municipios de la isla: Eivissa, Sant Joan, Sant Josep, Sant Antoni y Santa Eulària. Al mismo tiempo y en su afán de dar a conocer el mundo del cine, se programó un ciclo de conferencias monográficas que han sido impartidas por diversos profesionales del sector cinematográfico.


                                        Con más de 500 cortos a concurso y 18 premios a entregar, el jurado lo han compuesto, Mariam Hernández, actriz, Cristina Andreu, presidenta de CIMA (Asociación de Mujeres Cineastas y de Medios Audiovisuales), Ruth Armas, actriz y directora del Festival de Cine de Gáldar, Marcos Cabotá, director y productor, David Marqués, guionista y director e Inés Garrell, directora del Festival de Cine de Menorca.

                                          La gala

                                          La gala contó con su desfile de famosos por la alfombra roja, con personajes como Jon Plazaola, Inma Cuevas, Nadia de Santiago, Maggie Civantos, Adrià Collado, Marcos Cabotá, Bárbara Hermosilla o Bárbara Santacruz.  Dieron la bienvenida a los asistentes, una coreografía de Gala Robles interpretada por las azafatas del festival con música de 'El Fantasma de la Ópera' y el grupo ibicenco de rock Tales of Gloom, que interpretó en directo temas de su último disco, Unexpected Traces of a Falling Escape.



                                          La gala dio comienzo en el Teatro España con un número musical a cargo de Lara Palma y Gabriel Gambacorta, interpretando una versión cómica de City of stars, tema principal de La la landEl conductor de la gala fue el actor y humorista Luis Larrodera, quién a pesar de sufrir un pequeño accidente con una estatuilla llevó las riendas de la entrega de premios con profesionalidad. Durante la gala se entregaron los 18 premios Astarté además un premio especial a Isabel Coixet por su carrera.


                                          Palmarés

                                          La gran triunfadora de la noche fue Baraka, de Néstor Ruiz Medina, que trata sobre el impacto del conflicto iraquí sobre dos hermanos. El corto recibió 4 premios, Mejor Corto Nacional, Mejor Fotografía, Mejor Maquillaje y Peluquería y Mejor Actriz, compartido con Ni una sola línea. Esta última fue la otra triunfadora de la noche, con el Premio del Público, Mejor Vestuario y Mejor Actriz.

                                          Este es el palmarés completo
                                          1. MEJOR CORTO NACIONAL, Baraka, de Néstor Ruiz Medina
                                          2. MEJOR CORTO EXTRANJERO, Clac, de Fabien Ara
                                          3. MEJOR VIDEOCLIP, She seemed to be crying, de Marco Gallo y Mattia Caroli
                                          4. MEJOR FASHIONFILM, Vxxyage, de Banni Leclerc
                                          5. MEJOR DIRECCIÓN, Iván Sáinz-Pardo por Ainhoa
                                          6. MEJOR PRODUCCIÓN, Al Díaz por Madres de Luna
                                          7. MEJOR GUIÓN, Antonio Naharro por Amén
                                          8. MEJOR MONTAJE, Fernando González por Happy ending
                                          9. MEJOR DIRECCIÓN DE FOTOGRAFÍA, Jorge Roig y Néstor Ruiz Medina por Baraka
                                          10. MEJOR DIRECCIÓN DE ARTE, Almudena Bretón por Vico Bergman
                                          11. MEJOR MAQUILLAJE Y PELUQUERÍA, Laura G. Loaisa por Baraka
                                          12. MEJOR VESTUARIO, María G. Selva por Ni una sola línea
                                          13. MEJOR BANDA SONORA ORIGINAL, Alberto Torres por Vico Bergman
                                          14. MEJOR DISEÑO SONORO, Joaquín Rebollo por Dos segundos de silencio
                                          15. MEJOR ACTOR, Luis Callejo por Enemigos
                                          16. MEJOR ACTRIZ, Milagros Morón por Ni una sola línea y Esther Acebo por Baraka
                                          17. MEJOR CARTEL, Howard Mind por Marta
                                          18. MEJOR CORTO DEL PÚBLICO, Ni una sola línea de Víctor E.D. Somoza.
                                          19. ASTARTÉ HOMENAJE A TODA UNA CARRERA CINEMATOGRÁFICA, Isabel Coixet.

                                          Baghead. Un sorprendente corto inglés, dirigido por un español

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                                          Sinópsis:

                                          Kevin busca respuestas, y está dispuesto a pagar por ello. En el sitio menos esperado, un pub destartalado, un reticente barman le pondrá en contacto con una bruja. Un personaje capaz de entrar en contacto con el más allá.

                                          Crítica / texto:

                                          Baghead puede haber sido el corto de terror del año. Recorriendo el circuito de festivales acumula numerosos premios y nominaciones. Podemos citar algunos de los recibidos, el Paul Naschy en Sitges, 3 premios en Soria, 3 en el CryptShow de Badalona, Premio SHOTS en el Nocturna de Madrid, 3 en la Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián, uno en el Molins de Rei, uno en el Discover Film de Londres, otro en el British Horror Film Festival de Londres, uno en el Buenos Aires Rojo Sangre, Las Vegas (Sin City Horror Fest), Atlanta (Atlanta Horror Film Festival), Hollywood (HollyShorts), Ploiesti, Atlanta de nuevo (2 en el DragonCon Independent Film Festival), París... y aún más nominaciones.


                                          Tuvimos la suerte de disfrutar esta película durante la 29 Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián. Con ocasión de este festival también pudimos charlar unos minutos con Alberto Corredor, director de Baghead, profesional y amante del cine. Una persona con una mente abierta a la crítica y a las ideas que está llamado a mayores proyectos.

                                          Analizado por partes o en su conjunto el corto es muy brillante, aunque la fotografía sea tan oscura. Esta fotografía, con su luz escasa, sus tonos paros y sus movimientos lentos, consigue la sensación de incertidumbre e inquietud al bajar a un lúgubre sótano dónde alguien nos va a poner en contacto con el más allá. La música ambiental de Hollie Buhagiar es poco común, y ayuda con perfección a la ambientación de la historia. Las interpretaciones son sólidas, especialmente la del "portero", Julian Seager, con su misterio y su sorna. Lisa, Natalie Oliver, con su sorpresa, desconcierto, desesperación y pánico es otro gran papel dentro de este trabajo. Los efectos quizá se resuman en la figura temblorosa de la bruja, pero su maquillaje, su brazo esquelético y su piel quebradiza están muy logrados. Y finalmente la escena transformación es un momento memorable.


                                          Pero lo mejor lo dejamos para el final. Lo que hace brillante este trabajo no es el aspecto técnico tan conseguido. Tampoco lo son sus sólidas interpretaciones. La verdadera fortaleza del trabajo de Corredor está en el guión y en su plasmación en pantalla. En 15 minutos consigue una atmósfera de suspense y anticipación, logra despistarnos varias veces y llevarnos a un final sorprendente, mientras nos cuenta, en modo abreviado, una historia de relaciones humanas, de traiciones y mentiras.


                                          Si hay que decir algo malo, y siempre hay que poner una pequeña pega, es el diálogo final durante los títulos de crédito. Quita algo de brillo a un trabajo redondo al explicar innecesariamente lo que a lo largo de esta cinta ya se había hecho evidente. Es un pequeño desdoro a un resultado tan brillante.

                                          Ficha técnico-artística:

                                          • Director: Alberto Corredor
                                          • Guión: Lorcan Reilly
                                          • Intérpretes: Oliver Walker, Natalie Oliver, Julian Seager, Pat Boothman, Tama Phethean
                                          • País: Reino Unido
                                          • Duración: 15 minutos
                                          • Música: Hollie Buhagiar
                                          • Fotografía: John Wate

                                          Trailer:



                                          Un día más con vida. La guerra tiene rostro humano

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                                          Sinópsis:

                                          Interpretación audiovisual del libro homónimo de Kapuscinski. El protagonista se encuentra en Luanda en los albores de la independencia de Angola. Desde allí viajará al frente sur para conocer la guerra de primera mano. En este contexto deberá replantearse su ética profesional, sus sueños y responderse complejas preguntas sobre la labor del periodismo.

                                          Crítica / texto:

                                          Hay algo emocionante, mágico, en que el cine minoritario tenga presencia en las salas. Hemos visto que el documental, actualizado y presentado de modo atractivo, llenaba salas. Hemos visto que la animación adulta, más allá del mundo del superhéroe, es capaz de ocupar su espacio. Al fin y al cabo el ecosistema se enriquece y se beneficia de esta diversidad, dónde tienen cabida otras cosas que no sean acción o comedias románticas. Pero si esto se da en una pequeña ciudad (yo tuve la suerte de ver esta película recientemente en Pamplona), la emoción parece pasar a ser magia. Más aún al darnos cuenta que Un día más con vida lleva muchas semanas en cartel.

                                          Este trabajo se materializa a caballo entre la animación realista obtenida por rotoscopia, imágenes de archivo y entrevistas a contemporáneos de Kapuscinski. El formato está a medio camino entre el documental (género en el que Raúl de la Fuente es verdadero maestro) y la novela histórica, al ficcionar los hechos narrados por el protagonista. Y esta combinación de materiales contribuye a reforzar esa sensación de collage y trabajo mixto.



                                          La película es un vibrante crisol de sensaciones intensas, el riesgo de muerte inminente, la emoción de estar viviendo acontecimientos históricos... Una de estas sensaciones, que se transmite repetidamente, es la confusão, el caos propio de los cambios convulsos, y consigue transmitirla. Pero al mismo tiempo nos llegan las inquietudes de  Kapuscinski sobre el papel del periodista ante un conflicto, la necesidad de tomar partido...  Así como nos llegan las de los participantes en la contienda, el futuro tras la independencia, la reconstrucción y la justicia social. Vamos a conocer a personajes peculiares como el comandante Farrusco, paracaidista portugués que se une a los independentistas de Angola, Carlota, guerrillera que moriría durante el conflicto, Artur Queirós, un periodista que reconoce haber tomado partido, luchado con armas y vulnerado toda la ética de su profesión... personajes propios de la confusão reinante.


                                          La música de Mikel Salas contribuye con gran pericia a ambientarnos en la época. Pero lo que personalmente me ha llegado de modo especial es el tema Better change your mind de William Onyeabor, artista al que descubrí gracias al sello Luaka Bop.

                                          Tras su pase por el festival de Cannes, la cinta llegó a la sección Perlak del 66 Festival de Cine de San Sebastián. En éste recibió el Premio del Público. Además de éste, Un día más con vida la ha obtenido varios galardones. Entre ellos ha recibido el Premio a la mejor película de animación en los 31 Premios del Cine europeo y actualmente está nominada en la categoría de animación de los premios Goya.


                                          Pero hay algo que desdora un poco este trabajo. Kapuscinski se presentaba embellecido en sus libros, había creado un personaje. Y esta película adquiere ese mismo tono, un Kapuscinski inmaculado y heróico. Esto estaría bien si se tratase de una mera adaptación de su libro, pero al incluir testimonios actuales de personajes contemporáneos del protagonista, parece poco razonable no haber dado un mínimo atisbo de visión crítica. Ni una mención a su colaboración con el espionaje polaco. Ni una pregunta sobre sus cuestionables decisiones éticas, los testimonios actuales y el propio desarrollo parecen justificar que el periodismo ha de tomar partido más allá de informar. Pero entonces, si aceptamos que Kapuscinski al menos omitía lo que le parecía inconveniente, ¿por qué es confiable el resto de su trabajo?


                                          Tampoco hay ninguna una mención de cómo veían el conflicto los partidarios de UNITA o del FNLA, ni un mínimo contexto sobre su oposición al MPLA, ni los elementos étnicos y tribales que contribuyeron a gestar estos grupos. Conviene recordar que el FNLA comenzó buscando la independencia de su región de origen. Lo poco que vemos de la oposición autóctona son personajes anónimos, sin rostro definido. El único miembro de la oposición al MPLA que tiene voz es un niño que cobra por luchar. El único enemigo real es el ejército sudafricano, financiado por EEUU. Esta presentación tan maniquea, tan falta de matices corresponde a un discurso que, sin ánimo de ofender a nadie, se puede calificar cuanto menos de pueril.

                                          A pesar de estas reservas, el trabajo es un ejemplo de cine, hay ritmo, personajes definidos, la parte técnica es excelente, la combinación de animación, imagen real y entrevistas a personajes actuales se adecúa perfectamente a la narración , los momentos oníricos/metafóricos nos colocan en otra dimensión... Es un trabajo para disfrutarlo. Puede contemplarse como el punto de vista de algunos en una época muy concreta o incluso como pura ficción. Muy recomendable, especialmente si se llega a ver en sala.

                                          Ficha técnico-artística:

                                          • Director: Raúl de la Fuente, Damian Nenow
                                          • Guión: Raúl de la Fuente, Amaia Remírez, Niall Johnson, David Weber, Damian Nenow, Ryszard Kapuscinski
                                          • Intérpretes: Miroslaw Haniszewski, Vergil J. Smith, Tomasz Zietek, Olga Boladz
                                          • País: España, Polonia, Bélgica, Alemania
                                          • Duración: 82 minutos
                                          • Música: Mikel Salas
                                          • Fotografía: Raúl de la Fuente, Gorka Gómez Andreu

                                          Trailer:



                                          El viaje a Nara. El viaje para abandonar el equipaje.

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                                          Sinópsis:

                                          Jeanne, periodista francesa, viaja al monte Yoshino, en la prefectura de Nara. Va en búsqueda de una mítica planta que germina cada 997 años, acompañada un una especie de alumna/traductora., Conocerán a dos peculiares habitantes del bosque, Satoshi, algo así como un guarda forestal, y Aki, una anciana ciega experta en las plantas del bosque.

                                          Crítica / texto:

                                          Recientemente he comentado y repetido que las películas han de ser vistas en sus propios términos. Pero para poder llegar a este punto se han de conocer dichos términos. Con mayor o menor fortuna, el cine que hemos visto nos ha educado para entender los términos que se manejan en la comedia, los musicales, el terror... Pero ¿cómo dialogamos cuando ninguno de los elementos de la comunicación parece estar presente? Tras verla en la 66 Edición del Festival de Cine de San Sebastián la sensación era de no haber entendido nada. Cierto es que en un festival se ven muchas películas, a menudo cansado y no siempre con la atención necesaria. Por ello la he visto de nuevo para garantizar que estos factores no influían en mi opinión. La película ha pasado de llamarse Vision en su título original a ser El Viaje a Nara, que se pretende menos críptico pero que en realidad nos ilustra muy poco sobre el contenido de la cinta.


                                          Uno de los principales protagonistas es el bosque, aunque aparezca así en los títulos de crédito.  Concretamente es el bosque artificial de Yoshino, plantado y talado por más de 500 años. La fotografía de Dodo refleja la grandiosidad del bosque, tanto en sus tomas verticales donde las copas se recortan contra el cielo, como en sus planos aéreos donde observamos los rojos del otoño o los valles brumosos. La belleza plástica de la fotografía es indiscutible a lo largo de todo el metraje.


                                          La directora es nativa de Nara y es conocedora de la belleza de la región, belleza que se asegura de reflejar. Pero también es conocedora del espíritu conservador de la prefectura. En Nara no solo tuvieron su sede varias antiguas capitales de Japón, es una región de templos y tradiciones, dónde los ciervos son animales casi sagrados. En Nara la gente vive de la agricultura, de la artesanía, de la madera del bosque y del turismo.


                                          Son continuas las referencias a Nara, a la tradición, al ciclo de la vida, a los elementos (tierra, aire, agua y fuego).  Cuando Satoshi habla de la perfección de los árboles, plantados por las anteriores generaciones, nos habla de Nara y de Japón, de la paciencia de crear un bosque artificial y gestionarlo por siglos, como si toda la montaña fuera un gigantesco bonsai. Jeanne lleva un asta de ciervo decorando su mochila, apuntando a Nara y al pasado de Jeanne. La artesanía con asta de ciervo es tradicional allí. Escenas de caza, de caza de ciervos, y un accidente, ¿un castigo por no respetar lo sagrado? Un niño que se entrega a unos ancianos. Un anciano que habla de una gran desgracia y de cómo no puede abandonar Nara por conservar el recuerdo. Nara es una prefectura que muchos abandonan por razones de trabajo. Otro anciano que habla sobre un cementerio en la cima de una colina y un viejo árbol cerca del templo. Este viejo árbol, retorcido, símbolo de la experiencia, de la vida, del paso del tiempo... va a asomar repetidamente.




                                          Otro gran protagonista es el tiempo, quizá por su ausencia. Jeanne en un momento dado se pregunta si estamos en el presente. No estamos seguros si Jeanne vive en distintos momentos simultáneamente, si el pasado y el presente están fusionados, si sólo estamos viendo recuerdos...  Las escenas con tonos dorados parecen llevarnos al mundo del amor romántico, de la felicidad que está en el pasado. Pero los personajes desaparecidos parecen estar también en el presente. Y un túnel, símbolo obvio de la muerte, pero también un túnel que parece separar el mundo mágico, el mundo onírico, el bosque, del mundo racional, del mundo material, de la civilización. Y nueva referencia a la realidad, a un túnel real que al cruzarlo nos presenta un bosque impresionante que admiró a Juliette Binoche.

                                          Por la parte interpretativa, hay que señalar que Binoche y Nagase son grandes actores, y hay complicidad entre ellos. Su trabajo aquí es excelente. Ambos manifiestan sentimientos y emociones intensos, pero esto no parecen totalmente conectado con la progresión de la película. Con ellos vamos a conocer que Satoshi está en el bosque por estar "cansado de la ciudad, que Jeanne tuvo años atrás una relación cerca de allí, que la hierba Vision calma el dolor, el dolor del alma. Y que ella busca esa hierba para calmar su propio dolor. Todo ello salpicado de diálogos con reflexiones, algunas más crípticas que otras, sobre la felicidad "la felicidad está en nuestros corazones, no necesitamos a nadie para ser felices", sobre el amor "el amor es como las olas, nunca se para"... Pero quizá la principal sea que hay que aprender a dejar atrás pasado, a reconciliarse con él para poder ser feliz, para poder amar en el presente.



                                          Hay cosas que no acaban de entenderse. Jeanne ha mantenido una relación y vivido en la zona, pero necesita un traductora, Hanna, que se va súbitamente sin un motivo claro. Tras la partida de Hanna, Satoshi y Jeanne comienzan a entenderse fluidamente, acaso una metáfora de haber adquirido una comunicación más allá de lo verbal. En una frase Jeanne expresa algo parecido "A veces no nos entendemos por culpa del lenguaje".


                                          No es una película para todo el mundo. Esta obra o se ama o sólo se desea que se acabe. Para gozarla hay que estar dispuesto a sumergirse en la belleza de sus imágenes, a olvidar la lógica temporal que normalmente aceptamos, a abandonar la esperanza de un guión convencional, a renunciar a explicaciones y moverse en el mundo de la metáfora y lo simbólico. Si de algo sirve a los lectores, he podido disfrutar la cinta sólo en su segundo visionado, cuándo la sorpresa y el desconcierto estaban superados, cuándo ya sabía qué esperar de este trabajo y no buscaba en él elementos convencionales a los que asirme.


                                          Ficha técnico-artística:
                                          • Director: Naomi Kawase
                                          • Guión: Naomi Kawase
                                          • Intérpretes: Juliette Binoche, Masatoshi Nagase, Takanori Iwata, Mari Natsuki, Minami Hinase
                                          • País: Japón, Francia
                                          • Duración: 109 minutos
                                          • Música: Makoto Ozone
                                          • Fotografía: Arata Dodo

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                                          Los Títulos más esperados para este 2019

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                                          Resultado de imagen de estrenos 2019

                                          Este año que acabamos de empezar viene cargado por estrenos de lo más variado. De nuevo el cine comercial es el protagonista ya que es el más rentable. Así 2019 estará Cargado de secuelas, reboots, acción, superhéroes y marcadas fechas para el cine de terror como viene a ser habitual. Pero este año también tenemos películas de directores de renombre que hacía tiempo que no se dejaban ver como Almodóvar, Eastwood, Tarantino o Scorsese que vienen a desempachar a los espectadores de tanto cine comercial con su cine más de autor.

                                          Resultado de imagen de estrenos cine verano 2019

                                          ENERO ha empezado con la película de animación de Asterix el secreto de la poción mágica, o con la trama de ambición política de Dick Cheney (el galardonado con el Globo de Oro Christian Bale) en la administración Bush en el vicio del poder (Adam Mckay) pero será a partir del 18 cuando se desata con el estreno de cuatro películas potentes: Creed 2- la leyenda de Rocky (Steven Caple Jr.) cita ineludible para los fans del personaje de Stallone que se vuelve a reencontrar con Iván Drago 33 años después (Rocky IV – 1986). El otro estreno del mes es Glass tercer capítulo que cierra la trilogía de M. Night Shyamalan sobre los sobrehumanos Dunn (Bruce Willis) y  Crumb (James McAvoy) mientras que Mr. Glass (Samuel L. Jackson) surge como oscuro orquestador de la trama. El tercer estreno es La Mula dirigido y protagonizado por un incombustible Clint Eastwood con el tema del tráfico de drogas de fondo. Y por último La Favorita (Yorgos Lanthimos)biopic histórico de la Inglaterra del siglo XVIII gobernada por la reina Ana (Olivia Colman) con el amparo de lady Sarah (Rachel Weisz) y la aparición de la sirvienta Abigail (Emma Stone)que se gana los favores de Sarah.

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                                          FEBRERO comienza con otro biopic: Green Book (Peter Farrelly) con Viggo Mortensen y Mahershala Alilidiando contra el racismo americano de los años ´60 en una película oscarizable por su moralina antirracista. El 8 se estrena La Lego Película 2 secuela en plan apocalíptica tras la invasión Duplo que pretende repetir los buenos resultados de su predecesora en 2014. Una semana después llega Alita Ángel de Combate (Robert Rodríguez) Película sobre el famoso personaje manga de Yukito Kishiro con Rosa Salazar y Christoph Waltz como protagonistas. Los sucesivos retrasos que ha sufrido la película da malos augurios para este subgénero de películas live- action de personajes mangacas que de por si suele ser bastante denostadas. Para los amantes del terror adolescente se estrena Feliz Día de tu Muerte 2 (Christopher Landon)y para terminar el mes la película de animación de DreamworksCómo Entrenar A Tu Dragon 3 como cierre de la trilogía de estos rudos vikingos entrenadores de dragones esta vez dándole una novia dragona a “Desdentao”y Holmes & Watson (Etan Cohen) nueva vuelta de tuerca de los personajes de Conan Doyle esta vez en clave de comedia con Will Ferrer y John C. Reilly como protagonistas.

                                          Resultado de imagen de estrenos cine junio 2019

                                          MARZO tiene otro biopic: Stan & Ollie (Jon S. Baird) contando la trayectoria de este famoso dúo cómico en la postguerra con una maratoniana gira teatral por Reino Unido. El 8 llega la primera gran cita superheróica con Capitana Marvel (Anna Boden, Ryan Flech) contando como Carol Danvers (Brie Larson) adquiere unos poderes cósmicos fruto de una batalla galáctica. Esta película viene a ser una antesala de la que será el desenlace de la fase 4 de Marvel con Avengers 4. El 22 vuelve Pedro Almodóvar dispuesto a redimirse de los malos resultados de su anterior película con Dolor Y Gloria con Antonio Banderas y Penélope Cruz como protagonistas. También se estrena Nosotros otra película perturbadora del director Jordan Peele tras Déjame Saliry no salimos del terror para presentar el 15 Escape Room (Adam Robitel) donde se le da un giro mortal a las tan populares salas de escape. Para terminar el mes, Tim Burton presenta Dumbocon actores de la talla de Colin Farrel, Michael Keaton, Danny DeVito o Eva Green. Este es la primera de las adaptaciones live action que Disney presentará este año. La película se presta más cercana a Big Fish (2003) que al clásico de 1941

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                                          ABRIL empieza con tres citas de lo más variadas. En primer lugar tenemos ¡Shazam! (Davis F. Sandberg)Nuevo superhéroe de Warner-DC que contará con unos aires más cómicos al tratarse de un adolescente que al gritar la palabra que da nombre al film se convierte en un superhéroe de poderes místicos. El terror vuelve de la mano de Stephen King y el remake de Cementerio de Animales (Kevin Kölsch Y Dennis Widmyer) y en tercer lugar llega un drama social: identidad borrada (Joel Edgerton)con un tema tan sensible como la homofobia dentro de la iglesia americana como telón de fondo. Dentro del universo de terror de los Warren se estrena el 18 La Llorona (Michael Chaves) sobre este personaje fantasmal del folclore americano. Pero sin duda el estreno más esperado es el de Avengers: Endgame (Anthony Y Joe Russo)para el 26 de abril como respuesta final de los héroes supervivientes a los acontecimientos de la anterior película contras la amenaza de Thanos. Esta película pone fin a una década de películas de Marvel y comienzo de la fase 5 con nuevos proyectos en ciernes. Viendo las mareantes cifras de recaudación de su antecesora, se espera que esta siga sus mismos pasos

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                                          MAYO tiene como reclamo Aladdin (Guy Ritchie) segunda película live- action de Disney con la controvertida elección de Will Smithcomo el genio. Otro héroe se cita este mes: Hellboy en un reboot que deja de lado a Guillermo Del Toro e introduce a Neil Marshall al frente de esta nueva entrega: Hellboy: Rise Of The Blood Queen con David Harbour y Mila Jovovich como protagonistas. Los que esperan el desenlace de la historia del asesino John Wick lo podrá ver a mediados de mes en John Wick 3: Parabellum (Chad Stahelski)de nuevo con Keanu Reeves y Laurence Fisbourne enfrentándose al resto de asesinos del mundo que les irán dando caza. Para terminar tenemos a Taron Egertonencarnando a Elton John en Rocketman (Dexter Fletcher) con la ardua responsabilidad de igualar la exitosa Bohemian Rapsody.

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                                          El VERANO se presenta con multitud de títulos sobre todo a nivel familiar y palomitero comenzando con otro título de superhéroes: X-Men: Dark Phoenix (Simon Kinberg) donde Sophie Turner encarnando a Jean Grey se convertirá en la nueva amenaza cuando la entidad de Phoenix la posea. Película también postergada debido a reshoots y revisiones del guion por parte de Disney tras la adquisición de Fox que tiene sabor a despedida de estos mutantes tal como les conocemos con vistas a un nuevo reboot a manos de Disney introducidos en el MCU. Otras franquicias que vuelven son, en primer lugar, los hombres de negro con MIB: internacional (F. Gary Gray) a modo de spin-off /reboot de la saga con Chris Hemsworth y Tessa Thompsonsustituyendo a Will Smith y Tommy Lee Jones. Por otro vuelve el más famoso monstruo: Godzilla 2: rey de los monstruos (Michael Dougherty ) como nueva pieza para el denominado monstruo-verso de Warner y Legendary donde veremos a monstruos clásicos nipones como Mothra, Rodan o Ghidora. El siguiente episodio de la saga será Kong Vs Godzilla en 2020. Para los más pequeños tenemos estrenos como Detective Pikachu (Rob Letterman)  como primer live- action de este entrañable Pokémon que le oiremos hablar con la voz de Ryan Reynolds… así como Mascotas 2 de nuevo con las aventuras de Snowbally sus amigos cuando sus amos no están en casa. Otro estreno superheróico será Spiderman: Lejos de Casa (Jon Watts) donde de nuevo Tom Holland interpreta al trepamuros esta vez enfrentándose a Mysterio (Jake GyllenHaal) y se rumorea que habrá otras amenazas como la de El Buitre, Hidro-Man o Camaleón aunque contará con el respaldo de SHIELD y del mismísimo Nick Fury. El tercer y último live-action de Disney de sus títulos clásicos es El Rey León (Jon Favreau)con unas expectativas muy altas entre los más nostálgicos.

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                                          Pero esto no es todo amigos. Los peques tienen más citas con el cine de animación con películas como la esperadísima Toy Story 4 centrándose en una trama amorosa entre Woody y la pastorcita Bo Peep a la que tendrán que encontrar, así como otros títulos como Angry Birds 2 o playmovil: La Película. Pero como hay verano para todas las edades, también hay estrenos para los adultos: en el ámbito del terror se estrena Annabelle 3 (Gary Dauberman)de nuevo con la muñeca poseída esta vez con ligazón directo con la familia Warren. En el ámbito de la acción tenemos  el spin off de la saga Fast & Furious:Hobbs & Shaw (David Leitch) de nuevo viéndose las caras Jason Statham Y Dwayne Johnson en sendos papeles de acción y adrenalina pura. Y para los amantes de Quentin Tarantino se estrenará en Agosto su novena película: Once Upon A Time In Hollywood donde reúne a actores como Leonardo DiCaprio, Bratt Pitt o Margot Robbie en una trama centrada en Los Ángeles de 1969.

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                                          Para OTOÑO vuelve Stephen King con la conclusión de la historia del payaso Pennywise en IT capítulo 2 (Andy Muschietti) al que se enfrentará el “club de los perdedores” cuando estos  ya son adultos. La primera parte ya fue un éxito y se espera que esta continuación siga sus mismos pasos. Con aire más costumbrista de la alta sociedad inglesa se estrena Downton Abbey (Brian Percival y Michael Engler) como heredera de la famosa serie de la televisión. También se espera que se estrene la nueva película de Martin Scorsese The Irishmanprotagonizada por Robert De Niro. Si en 2018 tuvimos a Venom sin Spider-Man(con un notorio e inesperado éxito en taquilla hasta el punto de que para el 2020 se espera su segunda parte) este año tendremos a Joker sin Batman. The Joker (Todd Phillips) plantea un nuevo Joker independiente del DCEU y del denostado Jared Leto encarnado por Joaquin Phoenix que pretende revolucionar todo lo establecido sobre este archienemigo del Murciélago. Veremos si lo consigue y sirve para que Warner-DC por fin consiga enderezar su rumbo. Otra franquicia que vuelve es Terminator 6 (Tim Miller) película que se sitúa cronológicamente después de Terminator 2 y obvia las películas posteriores. En ella se recupera a la actriz Linda Hamiltonpara interpretar a Sarah Connors aparte del indiscutible regreso de Arnold Schwarzeneggeren el papel que le dio la fama. A medida que se acerca Halloween se dan cita también filmes tenebrosos como Los Nuevos Mutantes (Josh Boone) arriesgado giro de la saga de los mutantes de Marvel hacia el género del terror que no acaba de cuajar y tantos retrasos en su estreno no augura nada bueno. También estará Zombieland 2 (Ruben Fleishcher) o la nueva versión en animación de La familia Addams.

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                                          DICIEMBRE abre fuerte con otra película de animación muy esperada: Frozen 2 de nuevo espera cosechar el mismo éxito de su predecesora con las cantadas aventuras de Elsa y Anna. También veremos Jumanji: bienvenidos a la jungla 2 (Jake Kasdan) secuela inevitable tras el inesperado éxito de esta actualización de la película protagonizada por Robin Williams en 1995. Y ya en NAVIDADES regresa la galaxia muy muy lejana con Star Wars Episodio IX (J. J. Abrams) como final de la nueva trilogía de Rey, Finn y Pou con la ardua labor de levantar de nuevo la franquicia galáctica tras los varapalos sufridos con el Episodio VIII Y Han Solo y que han hecho replantearse a Disney la trayectoria que llevaban. El musical Cats también espera tener su versión cinematográfica de la mano de Tom Hooper. Los nostálgicos de los Videojuegos clásicos tienen una cita ineludible con Sonic: la película (Jeff Fowler)donde el famoso erizo de Sega volverá a medir sus fuerzas contra el Dr. Robotnik (Jim Carrey) esta vez en el mundo real. Y para terminar el año amablemente se estrena el remake de Mujercitas (Greta Gerwig) con Emma Watson y Merryl Streep


                                          Resultado de imagen de episodio 9 star wars

                                          Como se ve, un año más la cartelera estará dominada por los blockbuster palomiteros que tan rentable les sale a la industria. Sin embargo vemos un repunte de los biopic las películas de live- action y las películas de terror en lo que se antoja una mayor variedad donde elegir. Al final los que salimos ganando siempre somos los espectadores.

                                          Resultado de imagen de sonic pelicula 2019



                                          SKY PRESENTA "EL MILAGRO" de Niccolò Ammaniti

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                                          Historias íntimas en el contexto de una Italia en crisis


                                          Sky lanza en un evento en Madrid esta exitosa serie italiana en 8 capítulos, primer trabajo audiovisual para el novelista Niccolò Ammaniti.  La serie, de producción propia, ha sido muy apreciada por el público y la crítica italianos y ahora podremos disfrutarla en la plataforma española de Sky.

                                          Aunque Ammaniti había participado en proyectos cinematográficos como guionista o indirectamente a través de la adaptación de sus novelas, ésta es la primera vez que se encuentra tras la cámara. Y a pesar de esto, el resultado final no parece producto de un director novel. Pese a haber contado con el apoyo de los directores Francesco Munzi (Almas Negras) y Lucio Pellegrini(La Vida Fácil), sigue teniendo gran mérito obtener un acabado tan profesional en este primer trabajo para televisión. Curiosamente el proyecto comenzó como novela pero el director apreció que una virgen que sangra necesitaba de la imagen y se lanzó a esta aventura.


                                          La historia sucede en Roma, como no podría ser de otro modo para un fenómeno de este calibre. Ambientada en una Italia convulsa que se enfrenta a un referéndum para salir de la Unión Europea, nos cuenta como, durante una redada contra el crimen organizado, se descubre una pequeña virgen de plástico que llora sangre. A partir de ahí iremos conociendo a distintos personajes que afrontarán este suceso de distintas maneras. Un sacerdote sin fe y lleno de contradicciones. Conoceremos a un primer ministro ateo, una primera dama desencantada, un jefe de seguridad que ha de priorizar su labor frente a cualquier otra consideración, una científica que busca respuestas ante el sufrimiento de su madre… todos ellos en momentos muy complicados de sus vidas.


                                          La fotografía ha corrido a cargo de una muy experimentada Daria D’Antonio que, entre otros, ha colaborado con Paolo Sorrentino. La imagen tiene un tono sombrío, muy apropiado para el secretismo que se quiere dar a este descubrimiento. También se ajusta al enfoque de la historia, orientada hacia la vivencia personal de cada uno de los protagonistas ante un fenómeno inexplicable, que sucede en un momento complicado para ellos. El montaje, con constantes cambios de personajes y escenarios, resulta en ocasiones algo desconcertante, con historias y escenas que no tenemos claro si son punto y seguido, coma o puntos suspensivos.


                                          En cuanto a la interpretación, la palabra exacta sería impecable. Guido Caprino es un gran Fabrizio Pietromarchi, un ateo primer ministro italiano enfrentado a una grave crisis política que se encuentra ante un fenómeno inexplicable. Elena Lietti está muy convincente como Sole, su esposa,  atrapada en una situación que no le gusta, obligada a las formalidades del protocolo. Tomasso Ragno representa de modo genial al padre Marcello, un sacerdote de un barrio periférico de Roma, atormentado, jugador endeudado, adicto al sexo y en plena crisis de fe. Sergio Albelli nos convence de ser el General Votta, un creyente poco practicante que ante todo desea la seguridad de su país. Y finalmente Sandra, Alba Rohwacher, científica que trasmitirnos el sufrimiento por su madre, en estado semi vegetal, y las preguntas que se hace entre la ciencia y la religión.


                                          Aprovechando la presentación de la serie en Madrid tuvimos la ocasión de hacer unas breves preguntas al director y a una de las protagonistas, Elena Lietti. Elena interpreta a Sole Pietromarchi, una mujer madura, esposa del primer ministro, con dos hijos, que se encuentra algo desplazada en su papel de “First Lady”, esposa abnegada y madre.


                                          Elena Lietti

                                          ¿Cómo surgió la oportunidad de participar en El Milagro?
                                          Surgió porque uno de los directores de casting me descubrió cuando hacía teatro y había seguido toda mi carrera profesional así que, a raíz de ahí, me eligió para participar en el casting de la serie.

                                          ¿Cómo ha sido la experiencia de trabajar con Niccolò Ammaniti? ¿Ha sido complicado trabajar con él?
                                          Por un lado ha sido complicado porque trabajábamos con material difícil pero, por otro lado y desde el punto de vista humano y profesional ha sido muy fácil. Todo ha sido muy fluido tanto con Niccolò como con los otros dos directores, la directora de fotografía y el resto del equipo.

                                          ¿Cómo ha sido el proceso de introducirse en el personaje de la First Lady?
                                          Desde las primeras páginas del guión, Sole Pietromarchi ya estaba viviendo una situación muy complicada y en su forma de moverse, en sus acciones, se refleja. Niccolò escribió el personaje de la primera dama de una forma muy concreta, muy clara, con mucho detalle y yo me ceñí a su manera de sentirlo y que había tenido de plasmarlo en las páginas. Me he metido tanto en el papel que siempre digo que no me sorprendería que tocarán el timbre y fuera Sole para darme las gracias por haber interpretado su papel porque para mí ella es un personaje muy real.


                                          ¿Diría que tiene cosas en común con Sole Pietromarchi o son personas completamente distintas?
                                          Realmente ha sido un proceso de acercamiento al personaje. Al principio era muy difícil para mí ver cosas parecidas con ella, pero a medida  que me he ido metiendo en el personaje he descubierto los puentes entre mi alma y la suya.

                                          En un momento dado de la serie a Sole la llaman “zorra”, ¿existen aún en Italia muchos hombres que juzgan, hipócritamente, a la mujer por sus actitudes ante el sexo?
                                          Liberarse de la discriminación creo que todavía es, sin duda, un camino que queda por recorrer. Lamentablemente es cierto que la figura del hombre se le asigna un gesto de complicidad sin embargo a la mujer se la juzga y eso es una realidad. Por suerte hoy estas cosas se están intentando corregir y vamos por el buen camino.

                                          ¿Cómo se ve personalmente ante el mundo trascendente, religioso o sobrenatural... como prefiera denominarlo?
                                          Tengo un sentido religioso importante porque mi educación ha sido religiosa. Me formé con las monjas y por lo tanto he tenido esta formación y educación, aunque es cierto que en la práctica no lo tengo del todo aplicado pero lo que es el sentido transcendente, lo conservo y está en mí.


                                          Niccolò Ammaniti

                                          Los capítulos que he visto me han parecido impresionantes, no parecen el trabajo de un director novel. ¿Cómo ha sido el proceso y la experiencia de pasar del universo de la letra al universo de la imagen?
                                          Ha sido una experiencia difícil, una experiencia que me ha dado al principio muchísimo miedo aunque como todo, cuando uno se va metiendo en materia, se va haciendo al trabajo, pero al principio tuve que esforzarme y dedicarme muchísimo a ello. Es como si estuvieras acostumbrado a ir con el coche por una autopista y llega un momento de tu vida en el que dices bueno, voy a ver si el coche aguanta por campo a través. Sales de la autopista, te metes en el campo y no sabes cómo vas a acabar, a donde vas a llegar. En mi caso, yo he tenido la suerte de poder salir de la autopista y aguantar. Necesitaba un cambio.

                                          Habitualmente sus novelas se han adaptado al cine, ¿por qué elegir una serie de TV para iniciarse en el mundo audiovisual? ¿Qué ventajas y desventajas aprecia entre películas y series?
                                          El cine no me termina de gustar mucho porque estás encajonado por el tiempo, ya que una película tiene que durar entre una y dos horas. Sin embargo, en la serie tenía libertad absoluta para poder desarrollar los personajes secundarios y podía estar todo el tiempo que quisiera relatando lo que me interesaba relatar, centrándome en lo que me parecía importante y creando diferentes hilos alrededor de la historia principal.

                                          El tono sombrío es muy apropiado para el secretismo con el que se maneja la cuestión. Pero en la práctica, ¿un político enfrentado a una crisis no trataría de usar este milagro en su beneficio cómo validación celestial de sus políticas? Al fin y al cabo muchos políticos no creyentes toman prestada la retórica religiosa.
                                          Durante el desarrollo de la acción se plantea esta cuestión y durante los 8 episodios el político terminará dando una respuesta a este planteamiento. Pero para saber cuál es la respuesta hay que ver la serie.

                                          Ocurriendo fundamentalmente en Roma, la ausencia del Vaticano es un silencio elocuente. ¿Esta ausencia contiene un mensaje o simplemente se evita porque sería una distracción del enfoque sobre los personajes como individuos?
                                          No, ha sido una opción artística digamos porque la acción tiene lugar en Roma y a pesar de que El Vaticano está en Roma y está tan cerca del lugar donde se produce El Milagro, no responde ni emite ninguna opinión, ni interviene para nada.


                                          Los protagonistas de El Milagroson ateos, un creyente no practicante, un cura borracho, estafador y sin fe… Se diría que el creyente normal no existe o es un tipo de perfil sin interés. ¿Diría que es así para usted?
                                          No es verdad que no haya creyentes en esta serie porque, por ejemplo, un militar sí es creyente y sin embargo luego toda su fe se pone en tela de juicio. Es una serie donde todo el mundo ve como sus creencias se tambalean, donde constantemente están naciendo nuevas preguntas que son difíciles de responder.

                                          ¿En el planteamiento de conflicto razón vs fe ha tenido algo que ver su formación científica como biólogo?
                                          Sí, sobre todo la relación a la sangre que aparece en toda la historia, porque llega un momento en el cual se hace un análisis de la sangre que emana La Virgen y se descubre que tiene un ADN y en ese sentido aparece la ciencia. Esta permite analizar ese ADN y averiguar a quién pertenece. Es el inicio de la historia..

                                          El sexo se presenta, no como un acto de amor y relación entre dos personas, sino más bien como algo sórdido y casi violento. ¿Hay alguna razón para este enfoque?
                                          No, no hay ninguna razón especial, simplemente que artísticamente es más interesante presentar el sexo de ese modo que de una manera serena y feliz.

                                          ¿Diría que la sociedad italiana o quizá el conjunto de Europa estamos tan perdidos como los personajes de El Milagro?
                                          Creo que los personajes de la serie están ligeramente más perdidos que los actuales.

                                          ¿Podemos esperar nuevos proyectos televisivos o cinematográficos en un futuro próximo?
                                          Sí, los podéis esperar.


                                          Aquí os dejamos el trailer que, por una vez, refleja el tono general de esta obra.

                                          Itziar Castro. Actriz con mayúsculas.

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                                          Itziar Castro, actriz, cantante, presentadora, show woman, productora... Es una pena que los medios se centren en la polémica en vez de en el trabajo y en la carrera de esta actriz, que tiene tan gran potencial tanto cómico como dramático. Recientemente se reactivaba la controversia acerca de su despido como profesora en la décima edición de OT. Mientras tanto Itziar estrena la cuarta temporada de Vis a Vis, hace un anuncio feminista, polémico de nuevo, con ocasión de la Navidad y ficha por el programa de RistoTodo es Mentira.

                                          Coincidimos con Itziar Castro en dos ediciones de la Semana de Cine fantástico y de Terror. En la primera estaba presente por su película Matar a Dios, premiada en Sitges. En la segunda acudió como imagen del la 29 edición de dicho festival. En ambas pudimos charlar unos minutos con ella y descubrir que estábamos ante una persona educada, simpática y accesible. De aquellas charlas surgió una entrevista, que aquí transcribimos... con demora.


                                          LXC: Empecemos por el principio. ¿Qué te llevó a ser actriz y no neurocirujana, conductora de autobús, abogada o economista?

                                          IC: Todo ello, tengo una inquietud desde que soy pequeñita de querer serlo todo. He querido ser todo lo que dices y más, incluso presa, asesina, cabaretera. Y ser actriz me ha dado la posibilidad de explorar todos los campos y ser en el mismo día una niña de la Guerra Civil por la mañana y una cabaretera por la noche. Esa posibilidad de explorar diferentes tus es lo que más me interesaba.

                                          LXC: ¿por qué los actores parecen tan apegados a su profesión a pesar de los muchos malos ratos y lo duro que resulta tener ingresos regulares?

                                          IC: Esto es como una relación en la que estás enamorada hasta las trancas. Aunque haya momentos difíciles sigues estando ahí por amor, por pasión, por ilusión... Realmente si no hubiese todo ese compromiso emocional, de pasión, de emoción, de ilusión y de amor, no podríamos continuar con todo lo que dices, sobre todo la irregularidad y la poca estabilidad económica, y pasar un día de ser maravillosa y estupenda para todo el mundo a que otro nadie se acuerde de ti. Esa dualidad, esa bipolaridad sólo la puedes soportar en el tiempo si realmente te apasiona mucho. De hecho hay mucha gente buenísima que lo ha tenido que dejar porque no podía sobrellevar esto.

                                          LXC: Y enlazando con este primer punto, y quizá sea sólo una impresión que no compartas, parece que actualmente hay una tendencia a que todo el mundo sea multi artista. Ya nadie parece ser actriz, o productora, o director o guionista. Todo el mundo es varias de estas cosas o, al menos, DJ. No imagino a Rock Hudson o Lola Gaos de este modo. ¿Dirías que es asÍ? ¿Es un retorno al renacentismo donde el artista expresa sus inquietudes creativas a través de cualquier medio posible? ¿O es más bien reflejo de una necesidad económica?

                                          IC: A mí me parece que ser multi artista y multidisciplinar es maravilloso. Creo que Rock Hudson también fue productor y creo que Lola Gaos tenía una compañía. Y cuando tienes una compañía, aunque tú no dirijas, al final has de controlar todos los aspectos. Es algo habitual cuando tienes un negocio. En nuestro caso el negocio somos nosotros mismos. Y cuanto más cosas sepas más valor tienes. Es maravilloso poder ser todo y más y tener esas inquietudes.

                                          Lo de la producción me parece fundamental sobre todo si eres mujer y más si eres mujer que quiere salir de la norma, es básico si quieres optar a papeles y personajes que habitualmente note ofrecerían.

                                          También hay una cuestión de inquietud profesional. De hecho a mí me encanta saber, saber de filosofía, de cocina... y, como con los gustos, no me quedo sólo con el helado de fresa o de chocolate. creo que cuantas más cosas sepamos y podamos compartir, mejor. La creatividad no se puede etiquetar.

                                          LXC: Y yendo a este punto de las profesiones variadas, recientemente has sido profesora de interpretación en OT, ¿nos cuentas sobre tu experiencia previa como profesora? ¿Qué te motiva a enseñar a actuar?

                                          IC: Yo ya había ejercido como profesora en varios momentos de mi carrera, incluso de teatro musical y también gente que quería optar a OT. Así que ya conocía el formato. También he estado con los coros gospel de OT, a los que coordinaba. También he sido directora de casting de publicidad, he dirigido... Y me gusta enseñar, compartir conocimientos... porque aprendes también de la gente que aprende y de la novedad y de los que descubren cosas por primera vez. Yo estoy contenta de mi paso por OT. Lo volvería a hacer. Lo he hecho con todo el rigor que podía y sabía de mis 22 años de carrera. He hecho ejercicios en producciones que están ahora mismo en vigor, musicales, ejercicios que se dan en el Instituto del Teatro en el Departamento Musical, en el Aula de Teatro de Málaga, incluso de Tolcachir (Claudio Tolcachir) que es un director maravilloso y ejercicios que yo he vivido y he visto.

                                          LXC: ¿Piensas seguir cultivando y desarrollando esta faceta profesional?

                                          IC: El problema que tiene la docencia es que hace falta mucha implicación y mucho tiempo, no es sólo dar la clase, tienes que investigar, la tienes que preparar. Por ejemplo durante OT yo tuve momentos en que no comí, no dormí, buscando el significado de las canciones, el mejor modo de acercarme, aunque después improvisas bastante según lo que te da la persona que tienes delante. Pero te lo tienes que preparar y cuando estás en activo, con producciones o rodajes, es muy complicado. En ese momento se puede dar una masterclass de un fin de semana o de un día o de horas, porque es lo que me va mejor por tiempo. y no descarto seguir haciéndolo.


                                          LXC: Cambiando de palo, qué sensaciones te produjo la selección de Campeones como película española que compite por el Oscar a la mejor película de habla no inglesa?

                                          IC: Es una sensación maravillosa, de hecho ya he estado en los Oscar con Blancanieves, ya formé parte de esa experiencia, con un personaje también pequeñito pero de una película maravillosa. Y ahora con Campeones aún estoy más ilusionada porque creo que es un proyecto que realmente vale la pena, y que creo que vamos a conquistar Hollywood y el mundo y que se merece que se vea muchísimo, porque no es una película cualquiera. Es una lección de vida, de positividad y sobre todo es una enseñanza de que le gente diferente, y los discapacitados en este caso, no tienen por qué siempre hacer dramas ni tienen por qué hablar siempre de su hándicap, sino más bien poderle dar la vuelta como ha hecho Javier Fesser en esta película que se maravillosa.

                                          LXC: Si tras esta selección te tentaran desde Hollywood, ¿sucumbirías a la tentación? ¿O preferirías declinar la oferta como Ricardo Darín hizo en su momento?

                                          IC: Yo ya he trabajado con gente de Hollywood, he trabajado con Peter Greenaway, he trabajado en películas americanas también, y yo estaría encantada de trabajar internacionalmente en todos los idiomas posibles, porque creo que es un enriquecimiento y un crecimiento brutal. Así que, que me tienten, que me tiente quién quiera, yo soy fácil, y me gusta trabajar con todos, con todas y aprender muchísimo. Ricardo Darín supongo que decidió que no porque prefirió ese momento vital en el que estaba. Cada uno decide. Pero mejor cuando pase te lo digo.


                                          LXC: Hace un año presentaste en el Festival de Sitges, y después en la Semana de Cine Fantástico de San Sebastián, Matar a Dios, que se ha estrenado en salas hace poco tiempo. Este año has sido la imagen de la 29 Semana de Cine Fantástico y de Terror en San Sebastián, y además has producido el corte Flotando, con Daniel Horvath y Secun de la Rosa. ¿Tienes alguna afinidad especial por el cine “de género”? ¿O sólo es una pura casualidad?

                                          IC: No es casualidad, empecé hace muchos años con cortos. Me acuerdo mucho del primer corto de género en el que me cortaban las piernas y luego yo hacía jamón canario con ellas y acababa todo lleno de sangre y me pareció muy divertido y acababa todo lleno de sangre y  me pareció muy divertido. Luego participé en Rec3, que es para mí una de las mejores películas de género que se ha hecho en este país. Y fue una manera de enamorarme aún más del género, porque cuando haces de zombi se te pasa el miedo, y ahora voy a Sitges o a la Semana de Cine de Terror y lo disfruto mogollón. Ahora, en vez de pasar miedo, disfruto muchísimo y antes no me pasaba. 

                                          El hecho de que me hayan convertido en musa del cine de género me ha dado una satisfacción enorme. Además creo que en las películas de cine fantástico y de terror se arriesga muchísimo más con los personajes, con el tipo de personaje, físicamente, emocionalmente, y `para los actores es realmente espectacular. Que dure este noviazgo por muchos años. Haber sido la imagen de la Semana de Terror de Donostia ha sido un honor. Que la propuesta fuera ser la novia de Frankenstein, la mujer perfecta, que fuera como yo que soy imperfecta me parece lo más sublime y arriesgado y maravilloso. 

                                          Por la parte de Matar a Dios, es una película que nos está dando muchas alegrías en festivales pero por desgracia a nivel de taquilla la cosa no ha ido bien. Sobre todo porque hay todo un tema de la industria, porque si no tienes mucho dinero o una televisión o unos medios detrás que te apoyen con toda su influencia mediática, llegar al público se hace muy complicado. Pero el público que la ha visto ha salido muy contento y estamos muy orgullosos.

                                          Flotando es un corto maravilloso, y espero poder seguir colaborando y producir proyectos tan chulos como éste.

                                          LXC: ¿Dirías que en España la expresividad cinematográfica está encontrando su camino más fácilmente a través de este tipo de cine?

                                          IC: Creo que el género, como te decía, arriesga muchísimo más y es menos políticamente correcto, y esto siempre da la posibilidad de llegar muchísimo más lejos en creatividad y en mensaje.

                                          LXC: ¿Puedes contarnos qué proyectos futuros tienes sin tener que matarnos después?

                                          IC: Espero no mataros. Ahora mismo estoy en la cuarta temporada de Vis a Vis en Fox, que está saliendo los lunes, y que es impresionante. He rodado este año dos capitulares, uno para Terror y Feria de Benja de la Rosa y producido por los Javis, que también es un poco de género, muy divertido, que se verá próximamente en Floxer, y otro para la serie de Leticia Dolera, Déjate llevar. Y estoy a la espera de que se estrene una película, primer largometraje de Inés de León. En 2019 tengo previsto rodar una película en Chile y otra en Argentina, y me hace mucha ilusión. y esperando que salgan otros proyectos interesantes.

                                          LXC: Muchas gracias

                                          IC: Muchas gracias y hasta pronto. Besos


                                          Para quién quiera conocer más sobre esta actriz:

                                          Web: http://www.itziarcastro.com/

                                          IMDB: https://www.imdb.com/name/nm2458772/

                                          Facebook: https://www.facebook.com/itziarcastrorivadulla

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                                          Vimeo: https://vimeo.com/user874985

                                          las nominaciones a los Oscar más polémicas

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                                          El pasado martes 22 se dio a conocer la lista de los nominados a la 91 Edición de la Gala de Los Oscarsque se celebrará el 24 de febrero en el Dolby Theatre de los Ángeles y con ella se ha disparado la polémica. Entre las más nominadas están las esperadas Roma (10 nominaciones entre las que está mejor película, mejor director y mejor guion original) La Favorita (10 nominaciones entre ellos Mejor Película y Mejor Director) Ha Nacido Una Estrella (8 nominaciones) y El Vicio del Poder (8 nominaciones) pero la que se ha colado de rondón ha sido Black Panther con 7 nominaciones una de las cuales es a Mejor Película y eso es lo que ha hecho saltar el escándalo. Si a eso le añades las 6 nominaciones de las normalitas Infiltrados En El Kkklan o las 5 de Green Book ambas de temática racial y también nominadas a Mejor Película… algo huele a tendencioso en La Academia. Temas como lo políticamente correcto o la politización de los premios está rozando cotas casi casi como las que, por desgracia, hay en los premios Goya en España.

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                                                          El cine de siempre ha sido la mejor plataforma para hacer oír a las minorías y concienciar a la población en contra de a las injusticias de orden xenófobo, racial, machista, violento u homófobo que hay en esta sociedad. La academia tiene el deber de  hacerse eco de ésta realidad y prestarle su cuota de reconocimiento. Ya faltó a este compromiso en 2016 y sufrió fuertes críticas contra lo llamado White Power. Si a eso se le suma la paulatina bajada de audiencia de las galas desde esa fecha, los catedráticos supieron enmendar su equivocación y todas las comunidades más desfavorecidas empezaron a proliferar en las siguientes ediciones. Sin embargo en esta ocasión se les ha ido de las manos con respecto a contentar a la comunidad afroamericana. El caso de Black Panther es el vivo ejemplo: no digo que la película sea mala. Al contrario, Es muy entretenida pero no llega al nivel que se espera dentro de la categoría de Mejor Película y si tienen las otras candidatas. La mera comparación hasta hiere al verdadero amante del cine como expresión artística. Sin embargo es cierto que no todo es así. El cine comercial es el más lucrativo para la industria y el que más adeptos tiene y podría tomarse como que, por fin, los Oscar se hacen eco de esta realidad. Tanto es así que se oía que podría aparecer una nueva categoría llamada Mejor Película Popular en la que sí tendría más sentido que estuviera nominada (junto con otros posibles éxitos de taquillas de géneros olvidados por los académicos como el de acción o terror como Mission Impossible: Fallout, Hereditary, Aquaman, Ready Player One o la propia Avengers Infinity Wars)  Pero por desgracia esa idea no cuajó. En compensación, Black Panther se ha colado entre las candidatas a Mejor Película más que por su calidad cinematográfica, por ser de ensalzamiento a la comunidad afroamericana. Por ende películas como Green Book o Infiltrados en el Kkklan están ahí por esa deuda a la dictadura de lo políticamente correcto ¿Cuándo la saldaremos?.

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                                          Pero es que aún hay más. El tema de la politización de los premios y las cada vez menos sutiles críticas a la administración Trump es la que también está haciendo un empoderamiento de la temática latina y prueba de ello es el encumbramiento que están teniendo los cineastas mejicanos. Con ello no digo que Roma, Yalitza Aparicio, Marina de Tavirab o Alfonso Cuarón no merezca las nominaciones pero sí que el tema empieza a ser descarado. Es curioso esa analogía con los Goya: porque aquí el año pasado también se encumbró el cine catalán y vasco sobre los demás…

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                                          Otro tema descarado es el favoritismo hacia Disney en detrimento a otras distribuidoras como  Paramount o Warner y cómo estas ha tenido que ver como se quedan fuera sus producciones más notorias del 2018 como Mission Impossible: Fallout, Aquaman o Animales Fantásticos: Los Crímenes de Grindeward... y sin embargo vemos como películas como Christopher Robin, Han solo: una película de Star Wars El regreso de Mary Poppins o la propia Black Panther se cuelan en sus respectivas categorías sin ningún miramiento. y en el apartado de Mejor película de animación o Mejores efectos Visuales es descarado.

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                                          Pero ahí no acaban las grandes ausencias. ¿Cold War, Tully, Viudas, Un Lugar Tranquilo, Hereditary, First Man… fuera de la categoría de Mejor Película? ¿Ryan Gosling (por First Man)Ethan Hawke (por El Reverendo) Viola Davis (por Viudas), Tony Collette (por Hereditary) Emily Blunt (por Un Lugar Tranquilo) o incluso  Kiki Layne o Stephan James (los protagonistas de El Blues de Beale Street) por poner unos pocos ejemplos… también fuera? Ya que hablamos de las minorías y lo políticamente correcto ¿Dónde están las mujeres directoras (Lynne Ramsay (‘En realidad, nunca estuviste aquí’), Mimi Leder (’Una cuestión de género’), Karyn Kusama(‘Destroyer: Una mujer herida’), Chloé Zhao (‘The Rider’), Marielle Heller(‘¿Podrás perdonarme algún día?’), Josie Rourke (‘María, reina de Escocia’) o Tamara Jenkins (‘Vida privada’)?¿O el colectivo de discapacitados (que podría haber sido representado por la película española Campeones)? ¿O el asiático con películas como Crazy Rich Asians (Jon M. Cho) o la coreana Burning de Lee Chang-Dong? ¿Tendrán que hacer unas reivindicaciones como las del Black power del 2016 para que se les tenga en cuenta? Unas nominaciones bochornosas por tendenciosas

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                                                        Visto lo cual, las quinielas en esta ocasión son bastante claras. La propia tendenciosidad de la gala la hace predecible. De nuevo veremos cómo el empoderamiento de las minorías, la politización y la corrección política se alzará por encima de los criterios puros y meramente cinematográficos. Es una pena. Los Oscar se están pareciendo cada vez más a los Goya en su peor faceta. Veremos con que nos sorprende la gala el próximo 24 de febrero que, por cierto, puede que sea la primera sin maestro de ceremonias desde 1989 tras la negativa a ello de Kevin Hart.

                                          Nominaciones a los Oscars 2019

                                          Hay 24 categorías y estos son los finalistas por apartados:

                                          MEJOR PELÍCULA
                                          Black Panther
                                          Green Book
                                          Roma
                                          Ha nacido una estrella
                                          El vicio del poder
                                          La favorita
                                          Bohemian Rhapsody
                                          Infiltrado en el KKKlan

                                          MEJOR DIRECCIÓN
                                          Spike Lee, por Infiltrado en el KKKlan.
                                          Pawel Pawlikowski, por Cold War.
                                          Yorgos Lanthimos, por La favorita.
                                          Alfonso Cuarón, por Roma.
                                          Adam McKay, por El vicio del poder.

                                          MEJOR ACTRIZ
                                          Yalitza Aparicio, por Roma.
                                          Glenn Close, por La buena esposa.
                                          Olivia Colman, por La favorita.
                                          Lady Gaga, por Ha nacido una estrella.
                                          Melissa McCarthy, por ¿Podrás perdonarme algún día?

                                          MEJOR ACTOR
                                          Christian Bale, por El vicio del poder.
                                          Bradley Cooper, por Ha nacido una estrella.
                                          Willem Dafoe, por Van Gogh, a las puertas de la eternidad.
                                          Rami Malek, por Bohemian Rhapsody.
                                          Viggo Mortensen, por Green Book.

                                          MEJOR ACTRIZ SECUNDARIA
                                          Amy Adams, por El vicio del poder.
                                          Marina de Tavira, por Roma.
                                          Regina King, por El blues de Beale Street.
                                          Emma Stone, por La favorita.
                                          Rachel Weisz, por La favorita.

                                          MEJOR ACTOR SECUNDARIO
                                          Mahershala Ali, por Green Book.
                                          Adam Driver, por Infiltrado en el KKKlan.
                                          Sam Elliott, por Ha nacido una estrella.
                                          Richard E. Grant, por ¿Podrás perdonarme algún día?
                                          Sam Rockwell, por El vicio del poder.

                                          MEJOR GUION ADAPTADO
                                          La balada de Buster Scruggs (Joel y Ethan Coen).
                                          Infiltrado en el KKKlan (Charlie Wachtel, David Rabinowitz, Kevin Willmott y Spike Lee).
                                          ¿Podrás perdonarme algún día? (Nicole Holofcener y Jeff Whitty).
                                          El blues de Beale Street (Barry Jenkins)
                                          Ha nacido una estrella (Eric Roth, Bradley Cooper, Will Fetters)

                                          MEJOR GUION ORIGINAL
                                          El reverendo (Paul Schrader).
                                          Green Book (Nick Vallelonga, Brian Currie y Peter Farrelly).
                                          Roma (Alfonso Cuarón).
                                          La favorita (Deborah Davis y Tony McNamara).
                                          El vicio del poder (Adam McKay).

                                          MEJOR PELÍCULA DE HABLA EXTRANJERA
                                          Cafarnaúm (Líbano), de Nadine Labaki.
                                          Cold War (Polonia), de Pawel Pawlikowski.
                                          La sombra del pasado (Alemania), de Florian Henckel von Donnersmarck.
                                          Roma (México), de Alfonso Cuarón.
                                          Un asunto de familia (Japón), de Hirokazu Kore-eda.

                                          MEJOR PELÍCULA ANIMADA
                                          Los Increíbles 2, de Brad Bird.
                                          Isla de perros, de Wes Anderson.
                                          Mirai, mi hermana pequeña, de Mamoru Hosoda.
                                          Ralph rompe Internet, de Rich Moore y Phil Johnston.
                                          Spider-Man: un nuevo universo, de Bob Persichetti, Peter Ramsey y Rodney Rothman

                                          MEJOR FOTOGRAFÍA
                                          Cold War, de Lukasz Zal.
                                          La favorita, de Robbie Ryan.
                                          La sombra del pasado, de Caleb Deschanel.
                                          Roma, de Alfonso Cuarón.
                                          Ha nacido una estrella, de Matthew Libatique.

                                          MEJOR DISEÑO DE PRODUCCIÓN
                                          Black Panther, de Hannah Beachler.
                                          La favorita, de Fiona Crombie y Alice Felton.
                                          First Man, de Nathan Crowley, Kathy Lucas.
                                          El regreso de Mary Poppins, de John Myhre y Gordon Sim...
                                          Roma, de Eugenio Caballero y Bárbara Enrı́quez.

                                          MEJOR VESTUARIO
                                          La balada de Buster Scruggs, de Mary Zophres.
                                          Black Panther, de Ruth E. Carter.
                                          La favorita, de Sandy Powell.
                                          El regreso de Mary Poppins, de Sandy Powell.
                                          María, reina de Escocia, de Alexandra Byrne.

                                          MEJOR MONTAJE
                                          Infiltrado en el KKKlan, de Barry Alexander Brown.
                                          Bohemian Rhapsody, de John Ottman.
                                          Green Book, de Patrick J. Don Vito.
                                          La favorita, de Yorgos Mavropsaridis.
                                          El vicio del poder, de Hank Corwin.

                                          MEJORES EFECTOS ESPECIALES
                                          Vengadores: Infinity War, de Dan DeLeeuw, Kelly Port, Russell Earl y Daniel Sudick.
                                          Christopher Robin, de Chris Lawrence, Mike Eames, Theo Jones y Chris Corbould.
                                          First Man, de Paul Lambert, Ian Hunter, Tristan Myles y J.D. Schwalm.
                                          Ready Player One, de Roger Guyett, Grady Cofer, Matthew E. Butler y David Shirk.
                                          Solo: A Star Wars Story, de Rob Bredow, Patrick Tubach, Neal Scanlan yDominic Tuohy.

                                          MEJOR MAQUILLAJE Y PELUQUERÍA
                                          Border, de Göran Lundström y Pamela Goldammer.
                                          María, reina de Escocia, de Jenny Shircore, Marc Pilcher yJessica Brooks.
                                          El vicio del poder, de Greg Cannom, Kate Biscoe y Patricia DeHaney.

                                          MEJOR MONTAJE DE SONIDO
                                          Un lugar tranquilo, de Ethan Van der Ryn y Erik Aadahl.
                                          Black Panther, de Benjamin A. Burtt y Steve Boeddeker.
                                          Bohemian Rhapsody, de John Warhurst.
                                          First Man, de Ai-Ling Lee y Mildred Iatrou Morgan.
                                          Roma, de Sergio Díaz, Skip Lievsay

                                          MEJOR MEZCLA DE SONIDO
                                          Black Panther, de Steve Boeddeker, Brandon Proctor y Peter J. Devlin.
                                          Bohemian Rhapsody, de Paul Massey, Tim Cavagin y John Casali.
                                          First Man, de Jon Taylor, Frank A. Montaño, Ai-Ling Lee yMary H. Ellis.
                                          Roma, de Skip Lievsay, Craig Henighan y José Antonio García.
                                          Ha nacido una estrella, de Tom Ozanich, Dean A. Zupancic, Jason Ruder y Steven Morrow.

                                          MEJOR BANDA SONORA
                                          Black Panther, de Ludwig Goransson
                                          Infiltrado en el KKKlan, de Terence Blanchard
                                          El blues de Beale Street, de Nicholas Britell.
                                          Isla de perros, de Alexandre Desplat.
                                          El regreso de Mary Poppins, de Marc Shaiman y Scott Wittman.

                                          MEJOR CANCIÓN
                                          All The Stars, de Black Panther
                                          I’ll Fight, de RBG.
                                          Shallow, de Ha nacido una estrella
                                          The Place Where Lost Things Go, de El regreso de Mary Poppins
                                          When A Cowboy Trades His Spurs For Wings, de La balada de Buster Scruggs

                                          MEJOR DOCUMENTAL
                                          Free Solo, de Jimmy Chin y Elizabeth Chai Vasarhelyi.
                                          Hale County This Morning, This Evening, de RaMell Ross.
                                          Minding the Gap, de Bing Liu.
                                          De padres e hijos, de Talal Derki.
                                          RBG, de Betsy West y Julie Cohen.

                                          MEJOR CORTOMETRAJE DOCUMENTAL
                                          Ovejas asesinas, de Ed Perkins.
                                          End Game, de Rob Epstein y Jeffrey Friedman.
                                          Lifeboat, de Skye Fitzgerald.
                                          A Night at the Garden, de Marshall Curry.
                                          Period. End of Sentence. de Rayka Zehtabchi.

                                          MEJOR CORTOMETRAJE DE FICCIÓN
                                          Detainment, de Vincent Lambe.
                                          Fauve, de Jeremy Comte.
                                          Marguerite, de Marianne Farley.
                                          Madre, de Rodrigo Sorogoyen.
                                          Skin, de Guy Nattiv.

                                          MEJOR CORTOMETRAJE ANIMADO
                                          Animal Behaviour, de Alison Snowden y David Fine.
                                          Bao, de Domee Shi.
                                          Late Afternoon, de Louise Bagnall.
                                          One Small Step, de Andrew Chesworth y Bobby Pontillas.
                                          Weekends, de Trevor Jiménez.

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